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Coup de coeur

2011-04-03T14:19:00.000-07:00

Toujours au musée des Art décoratifs de Lyon : coup de coeur pour la salle Charles X !
Le mobilier des années 1830 est magnifique, un ensemble délicat et élégant, et le bois, une loupe claire, est magnifique.

Et surtout surtout, pour la fan de papiers peints anciens que je suis : un papier peint panoramique représentant des vues de Lyon, réalisé par Félix Sauvinet en 1823.
On se croit vraiment au centre d'un panorama, on reconnait la ville, et les couleurs sont particulièrement bien préservées.
Je ferai peut-être un jour un article enthousiaste sur le musée du papier peint de Rixheim et ses sublimes panoramiques exotiques, mais en tout cas, si vous passez par Lyon, ça vaut le détour !

Le charme discret d'un musée à l'ancienne.

2011-04-03T13:44:00.000-07:00

Cette semaine, deux très agréables journées à Lyon (malgré le temps très humide hum).

Visite du musée des Arts Décoratifs et du musée des Textiles, situés dans deux hôtels particuliers mitoyens du centre de Lyon.

J'avais déjà visité le Musée des Arts Décoratifs.
Mais j'avais été déçue par le musée en lui-même. Pas par ses collections, qui sont tout à fait belles, et particulièrement riches dans certains domaines (entre autres, majoliques d'Urbino, orfèvrerie contemporaine et mobilier XVIIIe, superbes). Mais la muséographie m'avait parue faible, voire absente...
Les meubles sont installés dans des pièces de façon à reconstituer des ensembles, mais il n'y a pas vraiment de cohérence ni chronologique, ni thématique, ni de lien de provenance...
C'est désuet.

Et après ma seconde visite, j'ai changé d'avis : j'ai trouvé tout ça délicieusement désuet.
Pas de cohérence, mais un bel hôtel particulier, dont les pièces ont de belles proportions qui mettent bien en valeur les meubles.
Les pendules de chaque pièce sont remontées, et on entend leur tic-tac.
Ça sent bon la cire d'abeille quand on entre.
Il n'y a rien à lire à part quelques cartels, donc la visite est une simple balade au fil des pièces, un voyage dans le temps qui nous emmène au XVIIIe et XIXe siècles, nous fait fantasmer sur ce que pouvait être la vie aristocratique de l'époque.

Parfois, un rayon de soleil pointe sur un parquet.
Il n'y a pas de bruits de voitures, seuls les tic-tac des pendules.
Et quand le soleil n'est pas au rendez-vous, la pluie frappe les vitres et on a presque envie d'allumer un feu et de s'installer confortablement dans un fauteuil Louis XV.
On se sent chez soi finalement.

Bref, les musées "à l'ancienne" ont des vertus, et le manque de fréquentation de celui-ci, qui est ma foi bien dommage, le rend encore plus agréable...
A savourer un dimanche après-midi pluvieux !

Une histoire de matière au Louvre.

2011-03-13T13:14:00.000-07:00

Petit tour au Louvre cette semaine, et j'ai découvert les œuvres de Tony Cragg parsemées dans la Cour Marly, au beau milieu des chefs-d'œuvre de la sculpture française.

Et j'ai aimé.
Les formes sont comme des ombres vibrantes de formes en mouvement. Et surtout surtout, les matières sont belles.
Sur certaines, il utilise du bois, sur d'autres du bronze rouge ou noir.
Dès qu'on est devant, on a une envie irrésistible de toucher, de caresser, de parcourir ces courbes complexes mais douces.
Bien sûr, on ne peut pas. Les surveillants de ces salles doivent s'arracher les cheveux...

Bien sûr, on pourrait dire que les formes sont... étranges. Voire suggestives quand elles sont en bronze noir. La majestueuse œuvre qui est sous la pyramide, bien qu'elle s'accorde très bien à son environnement de verre, ressemble à une pile d'assiettes cassées.

Mais c'est un bel amas, une compression de matière, et l'intensité de certaines œuvres et la légèreté des autres en font des œuvres que je trouve belles et bien à leur place dans le Saint des Saints, le Louvre.
Toute la question est de savoir si dans 200 ans, elles y auront encore leur place...
Des opinions sur la question ?

Pour le plaisir...

2011-02-25T12:27:00.000-08:00

Anish Kapoor, Untitled, 1990, gouache et terre sur papier, Tate

Intensité, puissance de cet d'œil iridescent sur nous. Magnifiques matières et profondeur des couleurs. J'ai adoré.

De la versatilité de l'aquarelle : Watercolour at the Tate Britain.

2011-02-25T08:32:00.000-08:00

A peine le pied posé à Londres, je vais voir la nouvelle expo de la Tate Britain sur l'aquarelle.

Une des premières à entrer, j'ai bien pu profiter de cette belle et très sérieuse expo.
C'est une exposition thématique, et qui retrace les différentes utilisations de cette technique de ses débuts à nos jours.

On utilise l'aquarelle pour dessiner des cartes, des vues topographiques. Mais aussi pour des représentations scientifiques de plantes, domaine dans lequel Parkinson excelle.

Sydney Parkinson

Je ne suis pas particulièrement attirée par ce genre d'aquarelles incroyablement précises, mais je dois dire que certaines sont magnifiques. On a presque l'impression qu'on sentira la texture de la plante si on touche la feuille... Si ça n'est pas de la maîtrise !
D'autres sections très intéressantes montrent l'utilisation de l'aquarelle pour représenter la guerre, mais aussi pour être un support de la mise en image des rêves et fantasmes de artistes.

Les deux autres éléments que je retiendrai de cette exposition, ce sont d'abord les paysages de Turner, (je vous livre l'entièreté de celui qui fait l'affiche), mais aussi de Boyce, Lewis quand il représente les rues du Caire, Hunt et Millais.

George Pryce Boyce, Streatley Mill, 1859

"Wateriness and transparency", pas besoin de traduire, on comprend bien ici les deux principales qualités de l'aquarelle, dont ces artistes ont su user avec une délicatesse et une sensibilité qui m'ont touchée. (Tout cela est mieux visible en vrai, quand les photos n'aplatissent pas les motifs).

J.M.W Turner, The Blue Rigi, Sunrise, 1842, Tate Britain

La wateriness des aquarelles de Turner est quasiment transcendante, on a l'impression d'avoir la brume dans les yeux, et non sur la feuille... Parfaite transparence.

Le second intérêt de cette expo : les œuvres contemporaines. Anish Kapoor, Lucia Nogueira, Howard Hodgkin, Callum Innes, tous ces artistes ont su eux aussi faire passer des sensations, des vibrations grâce à quelques touches d'aquarelle...
J'ai d'ailleurs vu en Callum Innes un "Rothlo à la Turner".

Howard hodgkin, A Storm, 1977, Tate.

Seule la Tate, ou plus largement les musées anglais, savent si bien relier l'ancien au nouveau, le vieux au contemporain, ou plutôt, seuls les musées français ne savent pas le faire...
Il est important de trouver des thèmes d'exposition qui transcendent les époques et les modes, et c'est un pari réussi par la Tate : la puissance d'évocation et le plaisir provoqué par les aquarelles sont les mêmes au XVIIe et au XXIe siècle !
J'ai été aussi émerveillée par Turner que par Kapoor...
A voir !

Leighton House : à voir !

2011-02-25T06:39:00.000-08:00

Frederic Leighton est un de ces bons peintres, très connus de leur temps et personnalités du monde de l'art, mais dont la célébrité n'a jamais vraiment dépassé les frontières de leur pays, dans son cas, la Manche.

Il est de la génération des préraphaélites, et a fini président de la Royal Academy of Arts. Une sacrée pointure, donc.
Il voyagea, reçut d'innombrables commandes, fréquenta la crème de la crème de tous les types de sociétés, et se fait construire une maison vers Holland Park.

Si vous êtes de passage à Londres, à ne pas rater !!

C'est une maison de taille raisonnable, toute de brique construite, cela ne vous étonnera pas, avec un grand jardin derrière, et il l'utilisa pour exposer tout ce qu'il ramenait de ses voyages, et principalement de ses voyages en Orient.
Le Hall de Narcisse, qui porte le nom de la statue qui trône en son milieu, a ses murs recouverts de carreaux de céramiques d'un turquoise profond faits par un ami, et son plafond doré pour évoquer le fait que Narcisse est mort en regarder son reflet.
L'impression est saisissante !

Le hall arabe n'est que plus incroyable !
La plupart des carreaux et mosaïques viennent de Damas, et les moucharabiehs du Caire. Une fontaine coule au milieu, et si on oublie ce qu'il y a autour, on se croit vraiment dans une salle fraîche d'un palais de Damas, où le doux son de l'eau repose et rend sensible à la douceur de vivre...

Dans le salon, on trouve des copies des paysages de Corot qui s'y trouvaient, dans le bureau, des dessins des plus grands peintres italiens de la Renaissance, dans l'escalier, des céramiques d'Iznik, de même que dans la magnifique salle à manger toute rouge. Quant au studio, il doit être le rêve de tout artiste... immense, lumineux, paisible...

L'escalier, photo ancienne

Dans le salon de soie, on trouve du Delacroix et du Millais, et plusieurs toiles de Leighton, qui peignait avec une belle intensité.

Le plaisir de marcher dans des lieux qui à une époque furent bouillonnants d'idées, de création, d'inspiration, qui ont vus des artistes incroyables comme Rossetti, Hunt et Millais, et beaucoup d'autres, tout ce la est un vrai bonheur. Sont encore présentes les vibrations, le beau.
Les maisons d'artistes sont souvent des lieux où l'on peut presque toucher du doigt la création, et pour les amateurs, c'est inestimable !

http://www.rbkc.gov.uk/subsites/museums/leightonhousemuseum.aspx

Soooo British !

2011-02-22T08:54:00.000-08:00

J'ai eu le plaisir toujours renouvelé de passer 4 jours dans la capitale anglaise.

Dieu que j'aime cette ville !!
Je vis dangereusement quand j'y suis, parce que je ne peux pas m'empêcher d'avoir en permanence le nez en l'air, fascinée que je suis pas l'architecture. La brique et la pierre se mêlent pour former des ensembles complètement étranges ou magnifiques, inattendus, et souvent indescriptibles pour les non-spécialistes de l'architecture victorienne.
Je vais sans doute écrire quelques articles sur mes dernières découvertes, mais avant ça, un résumé...

Se balader le nez en l'air, manger ds cupcakes, être amusée par le bazar complet qui règne à Camden, découvrir des endroits magnifiques, comme Burlington Arcade (en photo au dessus), fouiller dans les boutiques improbables ou bobos de Carnaby Street, boire du thé à toute heure de la journée, manger de la cuisine de tous les pays du monde sauf l'Angleterre, visiter des palais ou des maisons d'artistes et en tirer un incroyable plaisir, s'installer dans un pub à 5h de l'après-midi, y boire de la bière à la pinte et y jouer au scrabble en anglais, voir ses amis les plus proches...
En quelques lignes, voilà la recette très précise d'un we réussi et probablement inoubliable.

A votre tour !

Brêve : la perfection des premières photos !

2011-02-13T06:44:00.000-08:00

Daguerréotype, calotype, ambrotype, papier albuminé, collodion, négatif, positif, gomme bichromatée... Tous ces termes sont utilisés pour les débuts de la photographie, au XIXe siècle.
Longtemps, ils m'ont rendue peu réceptive à cet art, dont la technique est si compliquée à comprendre pour moi...

Mais récemment j'ai vu l'exposition de la Bnf, sur Les Primitifs de la photographie, le calotype en France, 1843-1860.
Et j'ai été frappée par la beauté incroyable de certains des ces calotypes.

Rappel historique et technique : dans les années 1830 est inventé en France un procédé de reproduction du réel sur plaque de cuivre. On doit cette invention à Louis Daguerre et Nicéphore Nièpce. C'est appelé le daguerréotype.
Mais en 1841, l'anglais William Fox Talbot invente un procédé sur papier, en positif et négatif, qui permet la reproduction d'une même image plusieurs fois. Le système connait un grand succès et fait vite des émules en France. C'est sur cette technique que portait l'exposition.

La précision, le cadrage, le travail sur les ombres et la lumière, les flous, le velouté, le grain et les couleurs variables qui vont du noir au blanc en passant par un marron profond, tout cela donne à ces œuvres qui ont 160 ans une beauté indicible.

Charles Nègre, Ramoneurs en marche, vers 1851, épreuve sur papier salé

Gustave Le Gray, Arbre et roches, 1849-50, épreuve sur papier salé.

Les exemples que je mets là ne permettent pas de se rendre compte de la beauté dont je parle. Il réside dans les images que j'ai vues une beauté mystérieuse, un doute sur leur nature qui les rend fascinantes.

La photo connait en ce moment un succès très important, qu'elle soit ancienne ou moderne. Mais en regardant des calotypes, des photographies des années 1860 par Le Gray ou encore des photos des pictorialistes au début du XXe siècle, je ne peux m'empêcher de penser qu'ils maîtrisaient déjà magnifiquement ce 8e art, et que rien depuis ne les a surpassé...

Etre enthousiasmée par une muséographie !

2011-02-01T12:06:00.000-08:00

Vendredi dernier, je suis allée à Versailles.

Après avoir eu la chance de voir la Galerie des batailles, le chef d'œuvre né de la volonté de Louis Philippe de rassembler les français autour de leur histoire commune, je suis allée faire un tour à l'expo Les sciences à la cour de Versailles.

Le thème de l'expo n'est pas en soi susceptible d'exciter particulièrement ma curiosité de littéraire ignorante des tables de multiplication.
Mais je dois dire que j'ai été très très impressionnée par cette expo, et principalement sa muséographie. C'était tout simplement génial !

On entre d'abord par une grande salle ovale où une image de tout Versailles est projetée sur les murs, et montre les différents endroits concernés par les sciences dans le château. Interactif et intelligent, car cela permet de situer géographiquement les choses.

Ensuite, les salles sont divisées en 6 sections : Sciences et pouvoir, application des sciences, expérimentation, enseignement, pratiques princières et enfin démonstrations.
Les œuvres présentées sont très diverses : paysages, portraits de personnalités, objets scientifiques, plans, écrits, objets d'art, reconstitutions... Cela grée un ensemble non monotone et didactique.
Les salles sont toutes différentes et magnifiques. L'une reconstitue une serre, l'autre une bibliothèque. Le mobilier est adéquat, la circulation relativement aisée, les couleurs variées et agréables, les cartels aux bons endroits...

Rendre agréable et vivant, didactique et enrichissant un thème qui pourrait vite devenir scolaire est un beau défi, relevé avec brio ici. Quant à mon désespoir sur la muséographie en France, il a été fortement atténué par cette très belle réussite !
By the way, l'exposition a été prolongée jusqu'au 3 avril, si vous savez lire entre les lignes...

http://sciences.chateauversailles.fr/index.php?lang=fr

Quand Disney corrompt les contes.

2011-02-01T11:33:00.001-08:00

Il y a quelques jours, j'ai eu la chance de voir et d'entendre La Petite sirène à la Salle Pleyel : Irène Jacob lisait le conte d'Andersen, et l'orchestre philharmonique de radio France jouait l'œuvre de Zemlinsky, datée de 1902 et inspirée du conte.

J'avais déjà lu le conte d'Andersen, mais j'avais oublié l'histoire. Et en sortant, j'étais révoltée contre l'horrible version faite par Disney.
Walt Disney, ou comment transformer un conte à valeur morale en un ridicule conte de fées.

Chez Andersen, la petit sirène souffre horriblement une fois qu'elle est transformée en femme par la sorcière. Non seulement elle ressent chaque pas comme une piqure d'aiguille ou une coupure profonde dans sa chaire, mais en plus, la sorcière lui a ... coupé la langue. Non, elle ne lui a pas seulement pris sa voix comme par magie, elle lui a coupé la langue.
Voilà ce qu'il en coûte de vouloir être autre chose que ce que l'on est.
Et dans la version de Disney, tout est bien qui finit bien : la petite sirène renie sa nature profonde, sa famille et son monde pour le prince. Chez Andersen, c'est bien plus compliqué que ça, et tout n'est pas bien qui finit bien, car la petite sirène meurt par amour...
En effet, ses sœurs ont fait un deal avec la sorcière : elle pourra redevenir une sirène si elle tue le prince d'un coup de couteau dans le cœur.
Ici se situe la limite entre le conteur et la firme américaine de dessins animés : le simplisme.
Tout n'est pas noir et blanc, tout a un prix, et le conte est par nature une belle façon, imaginative et sensible, d'apprendre cela sur la vie.
Mais Disney, Walt de son prénom, a corrompu la nature des contes, l'a vendue un happy end.
Mais quelle est la morale ?
A croire qu'une morale à la fois profonde et accessible était trop complexe pour le public américain de la fin des années 1980.
Mais la leçon de l'histoire doit exister. Oui, la violence, la souffrance, l'amour non retourné, la cruauté, la mort, tout cela existe. Et pas que cela : l'amour, l'envie, la découverte, l'aventure, l'amitié. Tout cela est présent dans les contes. Et ce que l'on ressent en les lisant, c'est la peur, l'envie, la pitié, l'amour. En lisant un conte, c'est à dire une histoire tout sauf réelle, on apprend ce qu'est le réel, la vie. Fonction et force paradoxale du conte !

Chez Disney, la morale disparait au profit d'un conte de fées qui a déformé la vision du monde de millions de petites filles (et sans doute aussi de petits garçons) : on finit toujours par trouver son prince, et tout finit bien pour tout le monde. C'est là une dénaturation complète du conte, et les contes de fées sont on ne peut plus éloignés de la vraie vie.

Je prône donc un retour vers les vrais contes, ceux qui racontent des histoires où de véritables sentiments sont déroulés pour nous.
En sortant du concert, qui était réservé aux enfants, j'ai remarqué qu'ils étaient perplexes, qu'ils pleuraient pour la mort de l'héroïne, et qu'ils posaient des questions. Bien sûr, il n'est pas question de vouloir qu'ils pleurent, mais admettons qu'ils aient un jour à faire face à la mort... Au moins ils sauront qu'elle existe, et que tout le monde ne vit pas "heureux et avec beaucoup d'enfants".
Un peu de Vrai que diable !

Rire et humour à la fiac 2010

2010-11-05T06:47:00.000-07:00

Comme la tradition l'exige, j'ai passé une après-midi à la fiac, sur le site du grand palais.
C'est toujours un plaisir pour plusieurs raisons : d'abord le lieu est magnifique, et sous un beau soleil d'octobre, il est magique.
Et puis la population est fascinante, la faune des galeristes, des riches acheteurs, des snobs, des passionnés, des stars (Fanny Ardant et Christopher Thompson, rien que ça), des jeunes étudiants en art, et des béotiens, comme moi...
Et on y trouve toujours des œuvres, parfois même beaucoup, qui nous font vibrer, qui nous font sourire de plaisir, comme cet Hantai et ce Sam Francis, vus dans une galerie d'art moderne, ou encore ces deux Albert Oehlen, artiste dont j'avais parlé il y a quelques mois.

Et puis, en dehors des choses qui nous plaisent, il y a le reste. Il y a ce qu'on ne comprend pas, ce qui nous révolte (pour son rapport entre prix et qualité et intelligence), et, heureusement, ce qui nous fait rire.

Comme cet artiste qui, sur des troncs d'arbre, a placé toute une bande de petits bonshommes en verre, joyeusement obscènes et ridicules, affublés de tas de choses déplacées et drolatiques.

Et puis il y a Enrico Castellani et ses très recherchées illusions d'optique. Celles sur toile sont certes répétitives, mais d'autres sont impressionnantes... celle-ci se trouvait "dans" le mur.

Et enfin, il y a cet artiste qui a crée un mur de 6 mètres sur 3 recouvert de masques mêlant les influences diverses de spiderman, des masque africains traditionnels, et des masque de catcheurs...

Bien sûr, il y avait beaucoup plus que ça, mais l'humour, le jeu sur les frontières entre les genres, le ridicule et parfois une certaine beauté de ces œuvres m'ont frappée...
Enjoy !

The social network, ou l'implacable monde des geeks.

2010-10-26T09:57:00.000-07:00

J'ai l'autre jour The social network, le film de David Fincher sur le phénomène et l'histoire de facebook.
Quelques impressions :

1. Les geeks, ça fait peur.
Facebook, c'est l'histoire d'un type, un étudiant, lâché par sa blonde, qui d'un coup se dit qu'il va monter un site où on peut comparer des filles pour leur physique. C'est moche. Puis il monte facebook, à l'époque "The facebook", et le phénomène s'amplifie de minute en minute. Ses copains sont des geeks comme lui, des types qui dorment le jour, et trainent sur internet la nuit, créent des programmes et crachent plusieurs codes à la seconde en se basant sur des formules mathématiques... On ne comprend rien à leur langage, ils sont plus ou moins associables, alcooliques, et toujours brillants. Et le créateur semble être bien plus un sale type dans la vraie vie que dans le film. Se dire que la base de toute sociabilité chez les 15-40 ans se base sur l'idée d'une bande d'associables est d'une douce ironie. Bon.

2. Le monde d'internet est angoissant.
En quelques mois seulement, Facebook devient un phénomène national aux États-Unis, puis rapidement dans le monde, et il ne se limite plus aux grandes universités, il s'ouvre à tout le monde. Que celui d'entre nous qui n'a pas de profil facebook se dénonce pour qu'on lui jette la pierre !
Facebook devient rapidement le centre d'enjeux énormes, de plusieurs millions de dollars. En quelques mois, une simple idée devient une source de bénéfices phénoménale. Il n'y a que le XXIe siècle qui ait permis ce genre d'excès dans la réussite. Mais il n'y aussi que ce siècle là qui puisse, par un détour du destin, faire tout perdre à des milliers de personnes en quelques heures. Les proportions de tout enjeu sur internet sont devenues absurdes tellement elles sont excessives. Et comment comprendre un monde qui vit principalement sur du virtuel ? Comment ne pas avoir peur que ce virtuel sans substance aucune régisse nos vies ?
Et surtout : jusqu'où aller ? Hum.

3. To facebook or not to Facebook ?
That is the question.
Ce film, bien qu'intéressant, m'a donné envie de quitter facebook. De ne plus me plier à cette mode et à ce besoin qu'on nous a créé et dont on nous a fait devenir dépendant. Mais cette addiction, le plaisir de pouvoir communiquer si facilement avec des amis qui vivent très loin, de partager certaines choses, un certain voyeurisme aussi, tout cela rend la décision difficile...
Alors pour conclure :
Facebook est produit addictif, à consommer avec modération.

Fauré ou les sentiments. Eric Le Sage ou la délicatesse.

2010-10-17T02:13:00.000-07:00

We musique de chambre à Pleyel, beaucoup de Fauré, du Debussy, et pour aujourd'hui, du Ravel.

Mais surtout, hier, un trio pour clarinette, violoncelle et piano en ré mineur opus 120 de Fauré, adapté de la version pour piano violon et violoncelle. Éric Le Sage au piano, l'excellent Paul Meyer à la clarinette et François Salque au violoncelle.

Les deux premiers mouvements de ce trio m'ont semblé d'une grande beauté, et mais d'une beauté assez difficile à saisir. C'est une musique dont on peut rester à la surface, et qu'on peut "rater", mais une fois qu'on pénètre sous cette surface, on ressent la plénitude de chaque note. C'est à la fois solaire, discret, mélancolique... Le troisième mouvement est plus complexe, plus haché et mouvementé, mais reste dans la ligne d'intensité des deux précédents.

L'interprétation de ce trio était parfaite, dans le sens où les trois musiciens semblaient avoir saisi la profondeur de l'œuvre, son intériorité, et sa mélancolie profonde. Fluidité des sons, finesse du jeu de Le Sage, qui est un pianiste délicat et intelligent (en comparaison de Boris Beresovsky, que j'aime beaucoup et qui pourtant m'a déçue dans Rachmaninov en prenant son piano pour un tamtam).

Déjà l'an dernier, à l'édition précédente de ce we, j'avais découvert et aimé la musique de chambre de Brahms, et je remercie Éric Le Sage d'organiser ce type d'évènement, dont la qualité ne s'est encore jamais démentie, et qui procure un plaisir fort et nécessaire, et même, je dois l'avouer, quelques larmes...

http://www.deezer.com/fr/music/result/all/picard#music/philippe-muller-jean-jacques-kantorow-jacques-rouvier/debussy-ravel-faure-piano-trios-570365
Les piste 09 à 11 sont le trio en question, mais version violon. A savourer...

Où il est question du patrimoine en Chine

2010-10-13T05:05:00.000-07:00

La chance, et un oncle et une tante chouettes m'ont fait voyager dans la contrée lointaine qu'est le pays du Soleil Levant, pour la première fois. Suite d'émerveillements et de découvertes.

Durant les deux dernières années, beaucoup de questions se sont posées à moi en rapport avec le patrimoine, la culture, la sacralisation de l'art. Pourquoi garder l'ancien ? Pourquoi conserver ça et non autre chose ? Jusqu'où doit-on conserver ? A quel prix ? A tout prix ?

En Chine, il m'a bien semblé que les choses étaient assez différentes. Bien sûr, il y a des musées, et là on sent bien l'importance de la conservation de chefs-d'œuvre du passé glorieux de l'Empire.
Mais pour les lieux de culte, il en va tout à fait autrement.

Quelle que soit l'ancienneté d'un temple, qu'il se situe sur un ancien site impérial ou sur une montagne sacrée, en plein centre d'Hong-Kong ou à la campagne, la fonction usuelle prime sur la conservation de ce qui est vieux. Le vieux n'a pas de valeur en soi : ce qui compte, c'est qu'il soit beau aujourd'hui, que les couleurs et les représentations qui recouvrent chaque centimètre soient vives et plaisent à l'œil du fidèle, lui parlent. On repeint donc par dessus les peintures anciennes, ce qui en France mériterait bien plusieurs pétitions et même une lettre à Mr Mitterand...

Comment expliquer une telle différence ?
On pourrait, d'une façon tout à fait ethnocentrique, se dire que la Chine n'en est pas à notre niveau dans l'avancée de sa réflexion sur le patrimoine, et que dans quelques années ou décennies, elle regrettera son manque d'attention à l'ancien sacrosaint en Europe.

Mais la raison peut se trouver tout à fait ailleurs.
Un lieu peut n'être considéré comme vivant, comme "valable", que s'il a toujours une place dans la vie des gens, un sens dans leurs croyances et une utilité quotidienne. La valeur usuelle dépasse donc la valeur artistique ou patrimoniale.
N'est-ce plus le cas en Europe car la place de la religion est en régression constante ?
La question se pose. Mais la volonté de conservation des lieux saints "dans leur jus" est très présente en France, en Allemagne et en Angleterre notamment depuis au moins le début du XIXe siècle, voire avant.

Peut-on en déduire quelque chose quant à la place de l'art dans la société chinoise et les sociétés européennes ? Rien n'est moins sûr.
Accepter l'évolution du patrimoine dans le présent est quelque chose que l'Europe ne sait plus très bien faire, à force de vouloir tout protéger. Mais un patrimoine, quelle que soit sa nature, ne peut pas rester figé, il doit vivre, être dans son temps.
Peut-être est-ce cette volonté que l'on voit dans l'exposition de Murakami dans les salons d'or et de pourpre de Versailles, ou dans les colonnes de Buren au Palais-Royal.

Les différences culturelles entre la Chine et la France sont si profondes qu'il n'est pas question ici de dire qui a raison ou tort, ou qui devrait apprendre de l'autre.
Mais il n'en reste pas moins que le patrimoine d'une époque, s'il est préservé, est aussi le patrimoine d'autres époques, et qu'en tant que tel, il doit s'y adapter... Question à approfondir !

Quand Soulages trouve son cadre

2010-10-13T01:49:00.000-07:00

Le petit voyage dans le sud se poursuit par les salles Soulages du musée Fabre, récemment entièrement refait.

En plus de salles "traditionnelles" où sont exposées des toiles des débuts, une immense salle a été conçue exclusivement pour recevoir l'œuvre si particulière de Soulages.

Murs blancs immaculés, lumière naturelle filtrée par un mur de verre dépoli qui donne un aspect presque irréel à la pièce, et puis les toiles de Soulages.
Il y a notamment ces monochromes jouant sur la matière.
Impression minérale de puissance, explosion du noir de Soulages, profondeur de la contemplation dans laquelle les toiles nous mènent.
Adéquation complète entre contenu et contenant. Magnifique travail de scénographie.

On aurait pu croire que la "froideur" de la pièce renforcerait l'uniformité des œuvres de Soulages. Mais la lumière douce joue avec la matière de chacune, et leur présentation les met en valeur et même les sacralise.
Soulages est magnifié.

A noter : le musée Soulages a Rodez, sa ville natale, est prévu pour 2010 !

De la délectation

2010-10-11T08:42:00.000-07:00

Pierre Alechinsky, La mer noire, 1988-90, musée Granet.

Pour le plaisir, deux images de la superbe expo sur Alechinsky au musée Granet d'Aix-en-Provence.
Quoi de plus poétique, de plus drôle, de plus profond qu'une belle œuvre d'Alechinsky ?
L'exposition fut un véritable bonheur !

Pierre Alechinsky, Sous le feu, 1967, Centre Pompidou.

Cabanel, la perfection de la chair

2010-10-11T08:03:00.000-07:00

Alexandre Cabanel, la Naissance de Vénus, salon de 1863, musée d'Orsay

We dans le sud, et bien sûr, en bonne "dixneuvièmiste" que je suis, je cours au musée Fabre de Montpellier voir l'expo sur Cabanel, peintre académique de la seconde moitié du XIXe siècle.

D'abord, un mot sur le musée Fabre : c'est une belle réussite. Les salles modernes et leur béton brut (un peu froid ?) s'allient bien avec les salles anciennes et avec la façade de pierre rosée de la région. Un bel espace et une belle rénovation.

En 1863, au salon, Alexandre Cabanel présente sa Vénus, clou de l'exposition, qui suscite pour certains l'admiration, pour d'autre le dégoût et la critique. Zola en parle quelques années plus tard comme d'une "sorte de pâte d'amande rose et blanche", tandis que Théophile Gautier, inspiré, écrit dans un journal : "son corps divin semble pétri avec l'écume neigeuse des vagues".
Quant à Napoléon III, il la trouve tellement belle, cette Vénus sensuelle, voire sexuelle, qu'il l'achète presque instantanément.

Mais il faut savoir qu'au même moment que le salon, cette exposition officielle de l'art académique, se déroulait le "Salon des Refusés", après les protestations des artistes plus modernes qui n'avaient pas été acceptés au salon. Napoléon III, dans un geste de bonté ironique, ouvre alors un salon parallèle, qui a à la fois pour but de montrer son ouverture d'esprit, et de laisser les peintres nouveaux se ridiculiser tous seuls, comme des grands...
C'est alors que le jeune Manet, peintre aux dents longues qui souhaitait se faire entendre, présente le Déjeuner sur l'herbe, œuvre qui choqua les partisans de Cabanel, et qui enchanta ses opposants.
Le XIXe siècle, où la contradiction permanente.

Cabanel est l'image parfaite de l'artiste académique : il fait ses études aux Beaux-Arts, remporte le Prix de Rome, part étudier à la Villa Médicis, et devient vite la coqueluche du tout-Paris.

Albaydé, d'après les Orientales de Victor Hugo, 1848, musée Fabre.

Talent à plusieurs facettes, il est décorateur, portraitiste, et bien sûr, peintre d'histoire.
Ses portraits de femmes montrent une perfection d'exécution assez époustouflante, et n'ont pas la froideur qu'on pourrait leur attribuer. Ses femmes ont toujours une étrangeté, une énigme dans le regard qui les rend différentes, uniques.
Ici, une jeune romaine a posé en Albaydé, et elle a comme toutes les autres, un mystère indicible, une aura de femme fatale qui inspira plus tard les symbolistes.

Cléopâtre teste des poisons sur des prisonniers à mort, 1887, Anvers.

Vers la fin de sa vie, il peint l'ultime femme fatale, cruelle, amoureuse, puissante, magnifique, la Cléopâtre de 1887. Toujours la perfection de la chair, du coup de pinceau, mais s'y ajoute comme une inquiétude sourde, une évocation de la douleur et la cruauté, que plus tard Böcklin et d'autres sentiront comme fondamentale.

L'exposition est complète, riche en textes, et constituée d'œuvres venues de loin, pour les plus grand bonheur de ceux qui n'auront pas l'occasion d'aller les voir aux États-Unis par exemple. Muséographie classique, mais franchement colorée, agréable et lisible, tout est fait pour mettre en valeur, et surtout remettre à l'honneur un peintre qui certes n'eut pas la puissance d'innovation des impressionnistes ou l'audace de Manet, mais qui fut à l'époque un roi parmi les rois.
Avec l'exposition sur Jérôme au musée d'Orsay, le monde des conservateurs tente de réhabiliter les artistes académiques. Leur valeur n'est pas à démontrer, mais pour moi, qui ai mis un De Stael en entête de mon blog, il manque à ces artistes une liberté, une passion qu'on peut trouver ailleurs...

La rentrée ?

2010-10-11T07:28:00.000-07:00

11 février...
Voilà la date de mon dernier post. La vie, les études, une certaine obsession d'un certain concours, tout ça a fait que mon Eclectikart a été en repos durant pas mal de mois.
Ne pas croire pour autant que je n'ai pas eu de vie culturelle : elle a été à son top niveau cette dernière année, notamment grâce à des voyages à l'étranger, dont je parlerai à l'occasion.
Me voilà donc revenue, et c'est la rentrée culturelle du blog !
A bientôt j'espère !

Juste pour le plaisir...

2010-02-11T15:41:00.000-08:00

A Lyon, à l'expo du musée des Beaux-Arts sur les Modernes, coup de foudre pour un Manessier.
La photo est mauvaise mais je ne résiste pas...

Alfred Manessier, Angelus Domini nuntiavit Mariae, 1946, musée des Beaux-Arts, Lyon

Qui est grand ?

2010-02-11T15:01:00.000-08:00

Il y a quelques temps, double expérience à Pompidou.
D'abord, Soulages.
Et juste après, la collection permanente féminine du musée.

Questions de taille et de temps aujourd'hui.

Soulages, c'est quelque chose. Dès 1947, une émotion, une force, une présence. Quelque chose de puissant. Les premiers papiers au brou de noix : un signe, une marque.

Puis la présence prend son envol, sûre de sa voie.
Pas de mysticisme ou de religieux chez Soulages, mais il y a définitivement quelque chose de spirituel, et la matérialité de la peinture, du noir si beau, nous mène loin loin dans l'immatérialité. Comme dans une autre dimension de l'art.

Pierre Soulages, Peinture 18 juin 1971.

La phase suivante, de travail du noir complet et de sa matière, même si plus aride, a elle aussi une grande profondeur. Appel à la contemplation de soi dans le noir et ses remous. Et il le dit lui-même : " Je ne demande rien au spectateur, je lui propose une peinture : il en est le libre et nécessaire interprète".

Pierre Soulages, Peinture, 2009.

Supériorité du "grand".
Soulages va rester. Même malgré les modes, les cycles de goût, il va rester. Il a touché à quelque chose d'éternel.
Le temps a déjà fait son choix, et Soulages est toujours là, depuis les années 1940.

Mais qu'en sera-t-il des autres ?
Je parle ici des collections contemporaines autant féminines que masculines du centre Pompidou.
Qui restera ? Qui est un "grand" en herbe ?
Qui est le creuset de l'éternel du futur ?

En flânant dans les salles, je me heurte à un manque profond de "supériorité". Il n'est pas tant question ici de qualité, -elle est certaine chez pas mal d'artistes-, ni même de beauté -il paraît que ça ne compte plus aujourd'hui-...
Mais malgré les goûts de chacun, il m'a semblé que tout cela manquait profondément de vision.

En 1905, on hurle au scandale devant les couleurs violentes de Vlaminck, personne ne comprend, et il n'y a que quelques esprits visionnaires qui pressentent la modernité profonde de l'œuvre.
Sommes-nous pareils ? Aveuglés par ce qu'on sait, par ce qui s'est fait avant ?

Mais qui alors sera le Vollard ou le Durand-Ruel des années 2010 ?
Qui choisit ? Nous ? Les galeristes ? Les autres artistes ? Le temps ? La mode ?
La production et les supports sont devenus si immenses et nombreux, qu'il est difficile de voir ce qui est "avant-gardiste" et ce qui ne l'est pas.
Qu'est-ce qui est nouveau ? Et il ne faut pas me raconter que l'artiste qui a décidé de disposer des petits formes géométriques diverses en carton blanc par terre fait du révolutionnaire, ou même de l'original.

Tout cela me laisse j'avoue assez perplexe, malgré mes efforts pour m'intéresser à l'art contemporain.

Peut-être que ces notions d'originalité et d'avant-garde sont elles aussi obsolètes. Comme la beauté.
Et l'éphèmérité de nombreuses œuvres rend même la notion d'éternel complètement finie.
On ne sait plus vraiment ce qu'est l'art.

Ou alors peut-être que tous ces artistes ne sont qu'une étape qui fait avancer les choses vers la prochaine modernité révolutionnaire, encore à venir.
On serait alors sur le chemin, sur la voie de... la suite.

J'attends avec impatience les" grands" du XXIe siècle !

Paris je t'aime

2010-02-04T13:23:00.000-08:00

Ce soir, en passant aux Tuileries, coup de foudre renouvelé...
Coucher de soleil orange et flamboyant sur Paris.
La Tour Eiffel se colore d'un doux rose.
Orsay disparait dans la lumière fulgurante du soleil couchant d'hiver.
Les fenêtres de la rue de Rivoli s'illuminent, elles scintillent en reflétant cet incendie. Le Louvre devient rouge.
De l'autre côté, le ciel est bleu, doucement irisé de quelques moutons blancs...
Arrêt sur image.
Émotion.

Je crois que tous les jours j'aime Paris. De plus en plus.
Sous la pluie, sous le vent, sous la neige, sous le soleil...
Chaque passage à Montmartre me le montre différent. Admiration inépuisable.

Il y a quelque chose. Comme une magie. Plutôt même un ensorcellement.
Paris n'en finit pas de se faire aimer.

Vais-je un jour être lassée de Paris ?
Je pense que non. Maintenant, Paris et moi, c'est pour la vie...

A VOIR ABSOLUMENT !

2009-12-27T04:59:00.003-08:00

De la puissance...

De la puissance d'un texte, incarné par un grand acteur.

Beckett, "Premier Amour", 1945. Dit par Sami Frey au théâtre de l'Atelier à Montmartre.

C'est l'histoire d'un type. Un drôle de type, c'est le moins qu'on puisse dire. Qui se fait virer de chez ses parents à la mort de son père, et se met à traîner. Il traîne, il dort dehors, dans un monde indéfini, sans aucun nom de ville.

Puis une fille se pointe sur son banc. Ça le gêne, mais il finit par penser à elle. Il écrit même son nom, Lulu, sur des bouses de vache avec son doigt (sic). Puis après quelques rencontres, il s'installe chez elle, enfermé dans une pièce de son appartement, et elle lui apporte à manger. Et quand leur bébé, résultat d'une unique nuit d'amour, naît, il s'en va. Les cris le gênent... Et il repart traîner.

Sami Frey est le personnage. Il est cet homme qui traîne.

Il est enroulé dans un vieil imper, et il est le type. On sent en lui la nonchalance, mieux, le désintérêt complet de cet homme pour le monde. Sa voix, son corps, son visage, son inexpressivité, tout ça, c'est du Beckett incarné. Monde étrange.

Le texte est incroyable. Dur, tranchant, misogyne, misanthrope, visionnaire, politiquement incorrect. Et drôle. Vraiment drôle, mais sombrement drôle.

Au delà de sa constipation et de son goût pour les cimetières, qui sentent bon les corps en décomposition, (et il trouve quand même que c'est mieux comme odeur que celle des vivants, qui puent), c'est le décalage du type, qu'il soit si perdu, si impossible, qui fait rire.

Florilège : "Le tort qu'on a, c'est d'adresser la parole aux gens".

"Ce qu'on appelle l'amour, c'est l'exil".

Je vais le relire pour embrasser encore mieux la puissance de la chose.

Beckett par Sami Frey, c'est la quintessence. La quintessence de l'absurde et du cruel, du surréaliste et du vrai. Du vrai de l'homme, animal solitaire au fond.

Un moment fort. Allez-y vite !!

2009-12-14T08:43:00.000-08:00

Albert Oehlen, FM 18, 230*270cm
Albert Oehlen, FM 19, 230*270cm

Albert Oehlen, FM 16, 230*270cm.

Une si belle découverte...

2009-12-14T07:53:00.000-08:00

Vendredi dernier, j'ai bravé le mauvais temps pour aller voir l'exposition sur Albert Oehlen au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, qui dure jusqu'au 3 janvier.

Je ne parlerai que peu ici de l'exposition en elle-même, qui s'intitule "Réalité abstraite". Elle a été organisée en étroite collaboration avec l'artiste. Le propos est de mettre face à face des œuvres des années 1880-1890 et des œuvres de 2008.

Les premières œuvres sont très denses, lourdement colorées. Elles ont une grande présence. On rapprochait alors Oehlen du mouvement punk ou de Pollock car il faisait de l'action painting et du dripping (faire goutter de la peinture sur la toile ou la projeter). Je n'ai pas d'images mais ce sont des œuvres puissantes, presque aveuglantes. On sent une certaine violence, et la brutalité avec laquelle sont appliquées les couleurs ne fait que renforcer cette impression. Les toiles sont des sources de vie intenses.

Les œuvres de 2008 sont différentes, mais on sent bien le lien avec les précédentes, le chemin qu'a suivi le peintre, vers une pureté plus grande. Il exprime l'idée de ne vouloir représenter que ce qu'il trouve "merveilleux". Il dit essayer de "manier les couleurs avec soin".

Le résultat est fascinant (je mets mes 3 toiles préférées au dessus). Alors qu'avant les œuvres regorgeaient de couleurs, qui semblaient presque déborder de la toile, on voit maintenant beaucoup du fond blanc.

Les couleurs sont comme des flux, des dynamiques. Elles traversent l'œuvre, elles ralentissent parfois, s'accélèrent, deviennent floues, se mêlent, s'évanouissent...

Ce sont des couleurs à la fois douces et puissantes. On y trouve les harmonies les plus inattendues. Quand je me suis approchée, j'ai souri, j'ai aimé.

On trouve, parsemés dans les œuvres, des morceaux d'affiches ou de publicité. Petits bouts de réalité dans le monde de l'artiste, auxquels on se raccroche, mais la réalité est vite entraînée par la couleur et ses courants.

On sent dans ces toiles un flux continu d'inspiration, comme si le peintre était physiquement guidé par ses émotions. Liberté et beauté du geste.

L'œuvre ci-dessous était aussi dans l'expo, et elle a, je trouve, une fraîcheur et une légèreté incroyables.

J'ai fait une très belle découverte en allant à cette expo, j'en garde un souvenir presque ému, et je crois bien que je vais y retourner, et regarder les toiles encore plus longtemps que la première fois...

Albert Oehlen, titre manquant, 2008.

Bref, je vous recommande chaudement d'aller faire un tour au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, qui par ailleurs est un très beau musée, sous-estimé par le public, et de vous faire un petit plaisir d'avant Noël en allant faire le plein de couleurs, d'abstraction et de poésie contemporaine !

PAS CONTENTE !

2009-12-14T01:52:00.000-08:00

Longue interruption depuis mon dernier post...
Cette année, je manquerai de temps pour écrire sur mon blog, et je m'en excuse.
Mais je reviens aujourd'hui !
Avec un billet d'humeur... comme mon titre l'indique.

Je suis allée voir dimanche dernier l'exposition du musée Marmottan intitulée "Fauves et expressionnistes dans la collection du musée Von der Heydt à Wuppertal".
Le principe est simple. Wuppertal est une ville qui bénéficia des dons abondants de la famille Von der Heydt, qui était très proche de nombreux artistes d'avant-garde du début du XXe siècle, comme ceux de "die Brücke", du "Blau Reiter", les fauves français, puis les expressionnistes allemands après la Première Guerre Mondiale.
Et le musée Marmottan expose une sélection de ces œuvres.

La sélection est belle. Quelques chefs-d’œuvre, selon mon humble avis, comme ce petit Kandinsky, les rues de Munich.

Kandinsky, Maisons à Munich, 1908, musée Von der Heyt, Wuppertal

August Macke, Paysage avec trois jeunes filles, 1911, musée Von der Heydt, Wuppertal.

Je ne mets ici que deux reproductions, mais de nombreux tableaux sont de très bonne qualité et illustrent bien, pour un connaisseur de la période, les influences, la modernité et les évolutions de ces artistes modernes.

Mais c'est bien là qu'est l'os, si je peux me permettre. En terme d'explications, on ne trouve que deux panneaux dans l'exposition : l'un expliquant l'histoire du musée Von der Heydt, et l'autre le thème de l'exposition. Je ne me rappelle pas la formulation précise, mais le principe de l'exposition est de montrer le fil qui relie les différents courants que j'ai cités plus haut. Bon. Cela me semble être un bon programme. Et effectivement, l'ensemble d'œuvres serait un terrain parfait pour montrer les différences et les influences entre groupes et artistes.

Mais une fois passés ces deux panneaux, plus rien. Le musée s'est contenté d'exposer les œuvres les unes après les autres, dans un ordre qui semble pouvoir être remis en cause, sans expliquer en aucune façon quelle est la différence entre "die Brücke" et le "Blau Reiter", ou quelles sont les origines du mouvement expressionniste.

Les œuvres se suivent, ne se ressemblent certes pas, mais un simple visiteur, non spécialiste du début du XXe siècle en Allemagne (je m'inclue dans cette définition) a beaucoup (trop) de mal à comprendre quoi est quoi, quoi vient d'où et pourquoi.

Ce qui est scandaleux. Depuis quand faire une exposition temporaire se réduit-il à un accrochage ? Où est la réflexion ? Où est la pédagogie ? Où est le guidage du néophyte parmi des œuvres certes belles mais tout de même déjà complexes ? Où est le propos ?

Si vous voulez comprendre, il vous faudra, en plus des 9 euros du ticket d'entrée, acheter pour 29 euros le catalogue, et là tout est expliqué. A nouveau une question : depuis quand faut-il acheter un catalogue pour comprendre une exposition ? Pour approfondir certes, mais pas pour comprendre...

Comme je l'ai dit dans mon titre, je ne suis pas contente. Et là, je me retiens, je ne rentre pas dans les détails. Je suis déçue. Car comme je l'ai dit, les œuvres sont belles, difficiles, riches de sens et de nouveauté. Il faut aller les voir, car elles ne seront pas visibles de sitôt en France après cette expo. Mais l'absence complète d'idée, de concept, m'a gâché mon plaisir.

Pour retrouver ma sérénité, je me tourne vers Kandinsky, Macke, et Erbslöh. Je respire, je me remplis de leurs couleurs puissantes, encore plus belles en vrai, et, doucement mais sûrement, je souris de plaisir.

Adolf Erbslöh, Jeune fille à la jupe rouge, 1910, musée Von der Heydt, Wuppertal

Où je vais à mon premier défilé de mode...

2009-07-19T14:19:00.000-07:00

Vendredi, j'ai une place au premier rang du défilé de Giles Deacon qui se déroule au Victoria and Albert Museum, dans la grande salle ou sont accrochés les cartons de Raphael. Joli cadre...

Giles Deacon est un jeune fashion designer, sorti de Saint Martins en 1992. Il a commencé aux côtés de Jean-Charles de Castelbajac, et il a travaillé pour Bottega Veneta et Gucci. En 2004, il lance sa marque, "Giles".

Le défilé du V&A était une rétrospective de ses pièces préférées des cinq dernières années.

Le noir se fait dans la salle, la musique est mise à fond, puis dans un rythme souvent assez endiablé, les "models" commencent à défiler.

J'ai vu des belles choses, élégantes, féminines, avec de jolies matières, fluides ou épaisses, des formes souples ou structurées, de beaux imprimés, et surtout des vêtements portables...

Quant au reste... Les mannequins elles-mêmes étaient des preuves vivantes de jusqu'où la mode va dans ses paradoxes. Elles ne pouvaient ni marcher dans leurs chaussures à talons démesurément hautes, ni marcher dans leurs robes sans se casser la figure (3 ont vraiment failli) en se prenant les pieds dedans, elles sont gênées par les piques qui sortent de certains vêtements et j'en passe.

Que dire ? Sinon que d'après ce que j'avais compris, la mode doit se porter, c'est sa définition même.

Dans un même défilé, on voit du beau, du sexy, de l'élégant, du moderne, du classique revisité, de la classe, du charme, du rêve, mais aussi du laid, du rigide, de l'importable, du ridicule, même du grotesque !

Et oui, j'ai vu l'oeuf noir avec des poils dont je mets la photo en dessous. Et certaines filles ont un casque sur la tête... Il y a certainement une idée derrière, un sens que mon oeil de néophyte ne sait pas voir, ni comprendre, mais je reste persuadée que je ne suis pas la seule.

Quant aux mannequins, elles sont très jeunes, horriblement maquillées, souvent maigrissimes. Elles ne vendent pas du rêve, elles sont un dur retour à la réalité : la mode est un monde non seulement impitoyable, comme le dit la légende, mais aussi étrange, et complètement déconnecté de toute réalité. Les mannequins ne sont pas belles (à part peut être quelques exceptions, et même une belle métisse qui a souri, Oh stupeur !!!). Elles "font la gueule", véritablement.

Quel est le sens de tout ça ? La mode devrait être le beau, dans ses créations, son esprit, et ses représentantes. Elle devrait être une célébration de la femme. Mais elle esclavagise la femme, sans pour autant la magnifier. "Il faut souffrir pour être belle" ne s'applique pas ici !

Peut être le nouveau beau dans la mode est-il justement le laid, la remise en question de tous les "principes" de beauté féminins, tels qu'ils existent depuis toujours. Faut-il comprendre : "portons du laid, et remettons ainsi en cause les diktats qui nous forcent à être toutes parfaites" ?

Mais alors, pourquoi les mannequins ne sont-elles pas rondes ?

J'ai beaucoup aimé cette belle première expérience de la mode, avoir un "glimpse" du glamour, et découvrir un morceau de ce monde m'a beaucoup intéressé. Mais mon premier contact m'a laissée perplexe et je me pose beaucoup de questions... Des réponses à me proposer ?

Story of a perfect and rainy day

2009-07-19T14:03:00.000-07:00

Waddesdon Manor, le 19 juillet 2009.

Enchantement…

Waddesdon est une source d’infinis plaisirs…

Les scones moelleux recouverts de triple crème, comme dit Mr Leben.
La compagnie cultivée, passionnante et charmante du même Mr Leben, conservateur du château.
La visite du château, longue et excitante, où à chaque porte qui s’ouvre le cœur bat plus vite de savoir ce qu’il y a derrière.
De voir des meubles de Marie-Antoinette, de toucher des vases, des tissus.
La découverte d’une collection incroyablement riche, où Guardi, Riesener, Leleu, Watteau, Pater, Lancret, Greuze, Dubois, Benneman se multiplient dans chaque pièce.
Carlin, la délicatesse de la porcelaine de Sèvres et la pureté du bois de rose.
Mme de Polignac, charmante peinte par Vigée Lebrun.
Les détails drôles montrés avec humour par Mr Leben.
Les écuries, jolies comme tout, où l’on trouve de l’art contemporain.
La totale perfection des jardins, qui sont l’incarnation parfaite de l’accord possible entre l’homme et la nature, l’équilibre délicat entre nature et culture, la sublime adéquation entre artificiel et naturel.
La promenade sous la pluie, le cœur qui bat à chaque tournant de découvrir une nouvelle vue, un bel arbre, une perspective, une prairie verte comme un rubis mouillé, parsemée d’arbres centenaires, nobles et puissants, qui donnent un sens au monde, au temps, qui sont une permanence dans nos vies.
Le sentiment de paix, d’adéquation, être là où on doit être et en profiter chaque seconde qui passe.
L’élégance chantournée de la volière rocaille.
Les douces ondulations vertes des collines du parc.
L’impression d’être Elisabeth Bennett marchant dans les allées de Pemberley.
La gentillesse des gens qui travaillent au château, qui me félicitent quand Mr Leben dit que je suis en stage au V&A.
La beauté de la campagne anglaise.
La fraîcheur des gouttes de pluie sur mon visage quand je marche dans les allées.
Mes courses pour m’abriter des trombes d’eau qui tombent.
Mon Closer qui me sert de parapluie.
Mes cachettes sous des pins en attendant Mr Ali le taxi sous la pluie.
Ecouter le bruit de la pluie.
Sentir l’odeur de la nature mouillée (la mienne aussi, chien mouillé…)
La course folle de dizaines de lapins dans un champ éclairé de soleil couchant dans le train du retour.
L’envie de continuer à découvrir ce pays intriguant, où tant de beauté existe, et qui reste si beau sous un ciel gris, mystère…
To be continued !

Découvrir To Be Still d'Alela Diane

2009-05-11T09:08:00.000-07:00

To Be Still, album d'Alela Diane.

Je crois bien que c'est la première fois que j'écris sur un album qui vient de sortir. C'est parce que j'estime que je n'ai pas ce qu'il faut pour parler de la musique actuelle... Je peux bien donner mon avis sur une interprétation de La Mer de Debussy, et j'ai quelques bases en musique classique, mais je ne sais pas voir dans une chanson récente les influences et les antécédents... Je crois même que je manque d'une culture musicale de base en matière de musique contemporaine.
Ceci dit, ça ne m'empêche pas d'avoir des coups de coeur, et je voudrais aujourd'hui dire deux mots du nouvel album d'Alela Diane, nouvelle icône folk de l'Amérique.
J'ai entendu pour la première fois la voix envoûtante de cette chanteuse en juin 2008, avec l'album The Pirate's Gospel, alors que son succès en France commençait à peine...
J'ai aimé la mélancolie de ses ballades, la profondeur de sa voix, la douceur de ses mélancolies. A écouter : "My Tired Feet", et "The Rifle" par exemple. Sobriété parfaite.
To Be Still est sorti il y a peu, et je n'ai pas regretté de l'avoir acheté.
Mais c'est un album qu'il ne faut pas écouter une seule fois. Il faut se plonger un peu dedans, et à force de l'écouter, les chansons prennent forme, on s'y attache, pour finalement ne plus pouvoir s'en détacher.
Ici, moins de mélancolie et de spleen, c'est moins intimiste mais il y a toujours une atmosphère douce, poétique, hors du temps, magique...
Je vous conseille particulièrement "White as Diamonds" et "My Brambles".
Une belle parenthèse de légèreté, d'humanité, et de quiétude, comme le titre l'indique. A savourer !

Le charme suranné d'une vieille comédie musicale américaine

2009-05-11T08:41:00.001-07:00

Le grand Gene Kelly dans An American in Paris
Hier dimanche, jour de pluie et de flemme : je regarde The Band Wagon, ou Tous en scène en version française. Autrement dit, un chef d'oeuvre de Vicente Minelli avec Fred Astair et Cyd Charrisse.

J'ai grandi avec Singing in the rain et An American in Paris, alors pour moi ces comédies musicales ont le charme et la douceur de l'enfance...

Gene Kelly est pour moi un idéal masculin, sa façon de danser l'élégance incarnée, et ses chorégraphies des perfections. Il savait chanter, danser, jouer, faire des chorégraphies, faire des claquettes... Qui de nos jours peut en dire autant ??

La musique de Gershwinn dans An American in Paris, je la connais tellement par coeur qu'elle est la musique de fond de mes rêves.

Les décors en papier mâché, les coupures trop visibles, les chansons qui ne sont pas toujours synchrones avec les images... tout ça donne un charme suranné à ces films. Bien sûr, ils ne sont pas parfaits, et pour citer l'un deux, "quand on en a vu un, on les a tous vus". Mais non, rien n'y fait, j'y prends toujours autant de plaisir.

Je trépide de joie quand je regarde Gene Kelly et Georges Guétary dans Singing in the rain qui chantent "'s awful nice" !

J'ai des frissons quand le même Gene et Cyd Charisse dansent de façon incroyablement sexy dans Singing in the rain...

Je ris en écoutant "Fit as fiddle" où Gene et Donald O'Connor font les imbéciles !

Des souvenirs, un plaisir chaque fois renouvelé (malgré les 1300 visionnages), l'élégance des sentiments, des acteurs, de la musique, des histoires... Des ingrédients irremplaçables pour 1h30 de bonheur enfantin !The Band Wagon, Fred Astair et Cyd Charisse

Du bonheur à Pompidou : Kandinsky parmi nous !

2009-05-06T06:55:00.000-07:00

Automne en Bavière, 1908, Centre pompidou.

J'ai mis du temps, mais j'écris enfin sur l'expo Kandinsky à Beaubourg.
Oui, je l'ai vue il y a 2 semaines cette expo, mais j'ai du attendre pour écrire, attendre que son souvenir ne soit plus si aveuglant, et que je puisse être un minimum objective sur ce que j'ai vu...
Le souvenir n'est plus aussi aveuglant. Quant à l'objectivité, hum, il semble bien qu'elle soit impossible, Kandinsky étant un de mes peintres préférés, qui m'a toujours fait sentir des choses incroyables (je deviendrai même voleuse pour avoir un petit bout d'une toile mais chut !)...
D'abord, très belle expo.
Tout est blanc, et les peintures resplendissent dans leur écrin, rien ne dérange la contemplation.
Tout est grand. Il y a de la place pour se reculer, admirer, se reposer l'oeil... L'art y respire. Cette expo a sans doute été prévue pour être un "hit", et la circulation des foules semble possible. Bon point !
Détail déstabilisant et très très réussi : la place des cartels. Ils sont à 2m de haut, au dessus des tableaux ! Ils sont bien lisibles, car écrits en gros, et leur place évite les entassements de personnes tout près d'un tableau : pas besoin de se plier en deux pour lire un écriture minuscule. seul petit défaut : aucune indication sur la technique. Là, mon père me dit que c'est une déformation professionnelle de dire des choses pareilles, mais il a bien du reconnaître que pour des aquarelles, ne pas savoir si le noir est de l'encre ou autre chose, c'est embêtant... Mais il n'en reste pas moins que ce choix muséographique est bon.

Sur Kandinsky, que dire... ?
Les différentes phases de sa création sont clairement montrées. On sent dès les premières toiles que son pinceau et sa couleur le démangent, et qu'il n'attend qu'un signe pour passer aux explosions qu'on lui connaît.
Le plus fascinant chez Kandinsky, ce sont justement ces couleurs. Leur parfaite harmonie, leurs nuances, leurs dégradés... Debout devant une toile comme l'Improvisation 19, de 1911 (Munich), je souris, j'ai le coeur léger, j'entends la musique des couleurs dans ma tête, j'ai envie de rire, de sauter. Poésie et bonheur à l'état pur !
Sa dernière phase, par contre, beaucoup plus géométrique, ne m'a pas beaucoup convaincue. Avec les lignes droites, il perd en fluidité, il gagne en sécheresse, la joie est perdue.
Il n'en reste pas moins que Kandinsky est un des plus grands, qu'on soit fan ou pas...
A voir, à voir absolument : une telle concentration de beauté, de couleurs, de joie tout simplement, c'est à ne pas rater dans une vie !

Fragment 2 pour composition VII, 1913, Buffalo.

Havre de paix : le musée Delacroix

2009-04-28T07:08:00.000-07:00

Si un jour vous vous trouvez par hasard (ou pas) sur la jolie place Furstenberg, derrière l'église Saint Germain des Prés, entrez au n°6 !

Vous passerez sous un vieux porche, puis vous vous trouverez dans une mignonne cour pavée. Sur la droite, une porte donne sur un escalier : montez ! Il vous mène au joli petit Musée Delacroix.

Découvrez alors la maison où l'artiste a passé une grande partie de sa vie et de sa création, et où il est mort.

Déambulez dans de jolies pièces décorées de meubles Premier Empire, et prenez plaisir à regarder les toiles des peintres anglais qui ont marqué la route artistique de Delacroix.

Et surtout surtout, ouvrez la porte qui mène sur le jardin et sur l'atelier qu'il s'était fait construire pour peindre tranquille. Si vous y allez un jour de joli temps, en descendant vers l'atelier, vous sentirez le lourd parfum des glycines en fleurs...

L'atelier est beau, le rêve de tout artiste. Lumière, espace, inspiration. De jolis dessins du peintre sont exposés, et d'autres peintures montrent qui l'a influencé.

Le jardin est un petit morceau de romantisme suranné, en plein coeur de Paris. Asseyez-vous sous les arbres, et écoutez le calme...

Voir du beau en découvrant les coins secrets de Paris, voilà le programme de l'été !

Je vous raconte bientôt mes autres "découvertes"...

Guimard dans Chéri !

2009-04-28T06:33:00.001-07:00

Avis à tous les amateurs de Guimard, et à ceux qui étaient venus à la visite sur Guimard dans le 16e arrondissement !!

Le dernier film de Stephen Frears, tiré de l'oeuvre de Colette, Chéri, met en scène le monde des courtisanes au début du XXe siècle.

Léa, maîtresse du fameux Chéri, de beaucoup son cadet, est jouée par la toujours trés belle Michelle Pfeiffer.
Et elle vit.... dans l'hôtel Mezzara ! Celui-là même que nous avons vu, 60 rue de la Fontaine et qui a été construit en 1910 pour un industriel du textile, qui lui donne son nom.

Aucune réalité historique donc dans le fait qu'une courtisane ait habité l'hôtel de Guimard, mais il n'en reste pas moins qu'on voit dans le film toutes les beautés de l'intérieur de l'hôtel, qui sont si rarement visibles... Voir des robes 1900 absolument sublimes dans un décor tout aussi sublime de Guimard, ça fait soupirer d'envie...

Alors, rien que pour le plaisir des yeux, courez voir Chéri, qui par ailleurs est un joli film, et une trés belle histoire d'amour.
Amour et Art Nouveau, que demander de plus ??

L'étrange monde de William Blake...

2009-04-27T09:24:00.000-07:00

En ce moment, au Petit Palais, très belle exposition sur l'artiste anglais William Blake.

Expo de taille raisonnable et à la muséographie sobre et agréable.

Tout y est fait pour nous faire pénétrer dans le monde de Blake, un monde hanté de flammes, de ciels surnaturels et de personnages fabuleux ou terrifiants...

William était un poète autant qu'un peintre, et on croise de nombreuses citations (en anglais ! du bonheur...) de son œuvre pendant la visite. Et on comprend bien que toutes les gravures qui constituent l'exposition sont intimement liées à cette poésie élégiaque et singulière.
Personnellement, j'ai toujours trouvé difficile d'apprécier les corps torturés de Blake, mais il existe une intensité dans son œuvre, une puissance qui empêche parfois de quitter une gravure des yeux...

Le titre de l'exposition, qui qualifie le peintre de "visionnaire", est tout à fait juste, et la modernité de son imagination n'est dépassée que par la virtuosité et le lyrisme de son pinceau.

Du pop au Palais

2009-04-05T12:43:00.000-07:00

Edith Scull 36 times, Andy Warhol, 1963, Fondation Warhol

La semaine dernière, je profite de ma carte du Louvre qui est mon sésame à moi pour aller voir "Le grand monde d'Andy Warhol" au Grand Palais. Attention, on ne comprend le jeu de mots du titre qu'une fois dans l'expo : ce ne sont que des portraits, et de grandes personnalités... Alors ceux qui n'aiment que les soupes Campbells, s'abstenir !!

Les autres, un conseil : allez faire un tour.

Je ne suis pas une fan de Warhol, j'ai toujours trouvé ça divertissant, mais franchement limité comme expression artistique et au niveau du sens.

Mais là j'avoue qu'en sortant, j'étais un peu déstabilisée (un bon point pour l'expo !). Je ne sais pas quoi penser de cette série de portraits. Ils commencent en 1962 avec la série Marilyn, si connue. Puis Warhol continue, il a trouvé une technique, la sérigraphie, qu'il exploite longtemps et avec grand succès. C'est le nouveau portrait officiel à la mode. L'expo classe les portraits en différents types : les stars, les princes et princesses, les artistes, les grands hommes, les hommes riches...

On pourrait vraiment penser qu'ils se ressemblent tous, ces portraits. Mais non. Bien sûr leurs couleurs changent, mais les textures, les poses, les jeux divers sont des variations qui rendent vivant chacun d'eux... Et cette vie qui les caractérise est aussi un paradoxe.

Reste qu'au delà de ça, je n'ai pas compris, je n'ai pas réussi à saisir, à donner un sens à tout ça. J'ai bien pressenti qu'il y avait quelque chose derrière, de plus profond que des portraits de stars en rose et vert fluo, mais quoi ? Derrière le côté paillettes, qu'est-ce que Warhol a voulu dire ? Car malgré tout, ces portraits semblent cacher une angoisse sourde. Celle de l'artiste peut être, fasciné et horrifié à la fois par la mort, qui chercherait à l'éloigner en immortalisant en série ? Ou peut être est-ce celle d'une société tout entière qui cherche son sens, qui a perdu son chemin au milieu des changements fous qui la transforment ? Se raccrocher à un portrait pour ne pas disparaître dans une société de consommation qui écrase les individus... Et là réside le paradoxe avec l'apparence même de ces portraits : ils sont vivants, colorés, joyeux parfois. Mais il reste toujours une tension, un malaise presque morbide qui se dégage de cette galerie... Je ne peux pas aller plus loin, je cherche encore. Mais si j'y retourne et que je trouve le sens que je cherche, je vous le dis, promis !

Petit coup de foudre

2009-03-23T09:29:00.001-07:00

Claudie Laks, Sans titre, août 2006

Vendredi, Salon ArtParis sous la verrière du Grand Palais. Quelques trés belles choses, quelques choses difficilement regardables, beaucoup de chinois et d'italiens, du bon, du beau, du mauvais, et.... Claudie Laks. Une peintre qui m'a mis du soleil dans les yeux et le coeur avec deux peintures. Une trés grande de bien 3m sur 2, dans les tons pastels, et une plus petite et plus vive en couleurs.
Je n'ai pas trouvé les photos, mais je vous mets deux autres toiles de cette artiste, qui donnent une idée de ce que j'ai aimé. J'espère qu'elles éclaireront votre journée comme elles ont éclairé la mienne. D'ailleurs elles continuent encore aujourd'hui... Ce n'est pas grandiose, c'est un peu de couleurs, un peu de joie et ça fait sourire !

Claudie Laks, Entrelacs, septembre 2007

Finesse et brusquerie : la Grande Martha

2009-03-02T14:23:00.000-08:00

Toujours au même concert de ce soir : Concerto pour piano et orchestre n°1 en ut majeur op. 15 de Beethoven par le même orchestre et avec..... Martha Argerich !
Je n'ai pas souvenir d'avoir déjà entendu Martha Argerich avant ce soir, où alors il y a longtemps. Il est incroyable de voir le contraste qu'elle porte en elle. Elle a une finesse de jeu parfaite, exquise parfois, puissante à d'autres moments, ses mains ondulent et volent sur le clavier, elle donne au mouvement lent du concerto une douceur, une sensibilité... Elle s'accorde avec l'orchestre avec des fondus, comme au cinéma. Elle me fait pleurer.
Puis à l'instant où elle a posé sa dernière note, elle saute de son tabouret et se jette quasiment au cou du chef d'orchestre et s'exclamant ! Puis quand elle revient pour un bis, elle balance son mouchoir en tissu sur le piano, se précipite au piano et se lance dans le morceau sans même respirer, presque brutalement... Elle salue abruptement, fait des commentaires aux violons, puis s'en va sur un coup de tête !
En une seule personne : une sensibilité artistique fascinante, une dextérité technique rare, et une brusquerie, un manque d'élégance complet. L'essence du génie ?

12 minutes...

2009-03-02T14:05:00.000-08:00

12 minutes. C'est le temps qu'il ma fallu pour découvrir, être convaincue et aimer Ligeti !
Première expérience ce soir à Pleyel. L'Orchestra d'ell'Accademia Nazionale di Sante Cecilia de Rome jouait le Concert Românesc, daté de 1951.
En quatre mouvements, l'affaire était pliée : j'ai aimé la sensibilité, les solos si élégants et la douceur du larghetto. Puis j'ai aimé l'humour, le rythme enlevé et le côté sautillant de l'allegro vivace. J'ai apprécié l'étrangeté et l'aspect lointain de l'adagio ma non troppo, avec ses traces de Stravinski. J'ai ri au presto poco sostenuto, car Ligeti nous fait passer d'un moment d'angoisse sourde, où le bourdonnement des cordes nous oppresse, à une danse roumaine joyeuse et drôle !
L'orchestre et le chef d'orchestre, Antonio Pappano, étaient parfaits. Tous les musiciens suivaient au millième de seconde, avec finesse et intelligence, et le premier violon était brillantissime. Au final, pas un couac, pas une erreur (audible en tout cas..). Parfait pour une introduction à un nouveau compositeur.
Bien sûr, il va me falloir approfondir tout ça... Le Concert Românesc ne suffit pas.
Mais il n'est reste pas moins que j'ai été fascinée, émue et touchée pendant 12 minutes intenses, sans pouvoir arracher mon regard de la scène, et tant de bonheur en si peu de temps, grâce à la musique, c'est assez rare pour que je remercie Ligeti et l'orchestra d'ell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia !

Catharsis bollywoodienne : non au snobisme !

2009-02-24T03:13:00.000-08:00

Parler de Bollywood à un amateur de cinéma, c'est comme parler de Viollet-le-Duc à un puriste du Moyen-Age : des cris, des injures, et surtout un mépris profond.
Ce post a pour but lui aussi de crier - sans doute moins d'injurier - et de mépriser les snobs, ceux qui se refusent du plaisir pur et direct sous prétexte d'intellectualisme.
Bollywood est un cinéma d'une importance sociétale, économique et culturelle fondamentale pour un pays qui prend tous les jours une place plus grande dans le monde, l'Inde.
Un Bollywood en Inde, c'est toute la famille qui s'y retrouve, on amène ses coussins, son diner, sa boisson. Oui, tout ça, car un Bollywood dure au moins 3h... Et pour avoir vu un Bollywood dans une salle où se trouvaient des Indiens, j'ai pu entrevoir le phénomène qui se déroule durant le film. A chaque chanson, chorégraphie, tout le monde se lève, tape dans ses mains, reproduit la chorégraphies au bout de quelques minutes, et chante. Une authenticité du plaisir et un sincérité des sentiments absolument impossibles à trouver dans une salle de cinéma française. Oui, on rit, parfois on verse une larme, mais ca ne va que rarement plus loin. Le cinéma est passé d'un moment d'émotion pure à un moment comme un autre, où la règle veut qu'on soit à distance de ce qu'on voit.
Pourquoi ?? Pourquoi bouder un plaisir immédiat ?? Ne devenons pas tous téléramiesques, c'est à dire intellos et difficiles à contenter...
Dans un Bollywood, quand le héros voit l'héroine pour la première fois, les violons jouent, elle est de dos, puis elle se retourne en faisant bouger ses cheveux comme dans une pub de shampoing, tout est au ralenti... A chaque moment d'émotion, le vent souffle dans les cheveux des personnages. A chaque moment joyeux ou amoureux, le couple danse sur des sommets de montagnes, en chantant son amour...
Chaque Bollywood a une morale, simple, principalement sur les valeurs de la famille et de l'amour. Mais la morale n'est pas le but, comme c'est toujours le cas dans les films européens (le cinéma hollywoodien est beaucoup plus proche du bollywoodien qu'on ne le croit). Je l'ai dit : le plaisir est le but. Celui de la musique, de belles actrices, de beaux acteurs, de jolies chansons, de belles histoires d'amour, des chorégraphies drôles et jolies (pas toujours, mais souvent).
Un Indien vit devant un Bollywood, il réagit, il ressent, il bouge. Bollywood est l'équivalent de ce qu'était pour nous le théâtre il y a encore quelques centaines d'années : un lieu d'expression et de partage. Bien sûr, tous les Bollywoods ne sont pas bons, certains sont ringards, d'autres de seconde zone, d'autres trop longs, d'autres ridicules...
Mais il n'en reste pas moins qu'un Bollywood est une catharsis, un moment pur d'émotions au premier degré. Bollywood, c'est la nouvelle agora : un théâtre de sentiments et de comédie humaine.

Bruges : frites et Renaissance

2009-02-24T03:08:00.000-08:00

Week-end à Bruges. Quel dépaysement !

J'étais loin de penser que la découverte de Bruges me ferait tant voyager.
A trois heures de Paris, Bruges est un autre monde, celui du Nord, qui s'ouvre à moi, parisienne et française jusqu'au bout des ongles, pour la première fois.

Tout est différent : les couleurs, l'architecture, les gens, la culture, les plaisirs...

Tout est rose, la brique est partout, qui crée un univers pastel et charmant.
Tout est ancien. Et pas ancien du XIXe siècle, comme c'est le cas à Paris. Mais ancien du XVIe siècle, voire avant... Sur les maisons, des plaques de pierre gravées marquent 1452, ou 1556 !

Tout est en parfaite unité, du centre aux alentours. Mais l'unité a sa diversité bien sûr, car chaque maison est différente de sa voisine, et les toîts en escalier créent un vallonnement, des variations douces à l'oeil du promeneur...
Tout sent la frite et quand Brel chantait "ça sent la bière de Londres à Berlin", j'ai pu changer un peu les paroles : "ça sent la frite, de Bruges à Bruxelles"... Car oui, au delà de tout cliché, Bruges sent la frite, et la gauffre, et si le chocolat ne sent pas, on salive à chaque vitrine de chocolaterie, et elles sont nombreuses...

Tout est petit, vu du beffroi, vu de 88m de hauteur, après 366 marches...
Tout est paisible. Dans certains coins de la ville, on entend seulement les oiseaux et les fers des chevaux sur le pavé, on se sent transporté loin, dans le temps et l'espace. Retour à la Renaissance flamande telle que je me l'imaginais...
Tout est joli, sous le soleil. Tout est suranné, vieux rose, charmant, étonnant, apaisant...

Tout n'a pas perdu de son authenticité, comme à Carcassonne ou ailleurs. Tout est vrai, tout est là. Il semble vraiment que le temps s'est arrêté au XVIIe pour ne plus avancer, et que rien n'a changé. Tout est immobile à Bruges...

Une jolie parenthèse, une balade salutaire dans le temps !

Depuis le premier rang... (de la Salle Pleyel)

2009-02-05T02:39:00.000-08:00

Depuis le premier rang, hier soir, j'ai d'abord entendu le Cantus in memory of Benjamin Britten d'Arvo Pärt, daté de 1977.
Depuis le premier rang, je me suis laissée enrouler, envelopper, envoûter par les vagues sonores de Pärt, par la montée en puissance progressive de l'orchestre, par l'explosion du son, ses envolées, je suis entrée dans la musique, j'étais au coeur de l'orchestre...
Depuis le premier rang, j'ai découvert la Sinfonia de Requiem de Britten, de 1940, j'ai bien senti l'angoisse sourde du début, j'ai entendu le tragique du Lacrymosa, puis j'ai ressenti la colère de Dieu dans le Dies Irae, dans la cavalcade des instruments, et je me suis laissée surprendre par les douces mélodies du Requiem final...
Depuis le premier rang, j'ai écouté la Messe en ut mineur de Mozart.
Depuis le premier rang, j'ai vu la soprano devenir toute rouge quand elle a lancé son contre ut, j'ai vu le ténor chantonner les mélodies du choeur, j'ai vu le basse soupirer d'ennui quand il ne chantait pas, j'ai vu la seconde soprano lancer des regards d'envie à la première, j'ai vu une altiste rigoler en plein morceau quand son voisin de pupitre s'est planté dans le rythme, j'ai vu que les violonistes ont un métier très physique, mais j'ai vu aussi le chef d'orchestre Paavo Järvi parler à son orchestre avec ses mains, j'ai eu des vibrations dans le ventre quand la soprano chantait, j'ai frissonné quand le choeur a atteint toute sa puissance...
Depuis le premier rang, je suis rentrée dans la vie de l'orchestre, dans sa complexité, dans ses difficultés, dans ses complicités, dans sa dynamique. Depuis le premier rang, j'ai appris plein de choses, j'ai donné une réalité physique à la musique que j'aime tant entendre. Depuis le premier rang, j'ai brisé un peu du rêve, du mythe, mais je ne le regrette pas...

De la contemplation chez Rothko

2009-01-27T13:55:00.000-08:00

Suite et fin de mes émerveillements londoniens...
Grande expo Rothko à la Tate en ce moment. Le titre complet est "Rothko : The Late Series". L'expo présente effectivement les séries qui datent des années 1950, jusqu'à 1970.

Par exemple la pièce 3, immense, reconstitue une série de toiles destinées au Four Seasons de NY, pour lequel Rothko avait réalisé 30 toiles. 7 sont exposées ici, et l'effet est saisissant.

On entre dans un univers parallèle. Cette salle est la preuve vivante que la phrase (souvent entendue) "Rothko, c'est toujours pareil", est fondamentalement fausse. Tout change ici, de tableau à tableau : le format, les formes représentées, les motifs, les couleurs, les matières, les atmosphères... On passe d'un orange vif à un violet pâle, d'un rouge sang à un noir profond.

Et Rothko sait jouer avec notre regard, avec le visible et l'invisible. Les formes qu'il peint sont mouvantes, elles disparaissent quand on s'éloigne, mais réapparaissent quand on fait un pas vers la gauche. Tout ça vibre et vit.

Mark Rothko, "Red on marron", mural section 4, 1959, Tate Gallery.

Souvent encore, on entend des gens se demander "à quoi ça sert Rothko ?". Il faut aller au-delà de la première impression, avec ce peintre. Il ne suffit pas de passer devant un Rothko pour en comprendre l'essence. Il faut s'installer, se placer bien devant, et se jeter dedans. Une toile de Rothko, c'est une surface de contemplation, une immensité de méditation et d'apaisement possible. Mais c'est aussi un risque à prendre, une chute, qui nous amène loin du tableau justement. Car dans le tableau, quand on est "rentré" dedans, il y a nous. C'est une peinture introspective, que celle de Rothko, et elle nous ramène à nous-mêmes, de façon profonde et parfois angoissante. Dans les salles suivantes sont exposés des tableaux noirs. Bien sûr, ils ne sont pas vraiment uniquement noirs, se plonger dedans quelques secondes suffit à nous faire découvrir leur complexité, leurs couches, leur profondeur. Mais devant ces tableaux, on sent beaucoup : on sent de la violence, de la puissance, de la peur... Et dans la série des "Black on Grey", c'est une impression d'infini, d'illimité qui nous touche.

Mark Rothko, "Number 1", 1964, Kunstmuseum, Bâle.

Regarder un Rothko, c'est une plongée dans l'inconnu, c'est à la fois un aveuglement et une illumination. Et c'est de toute façon une expérience personnelle incroyable, que cette expo que je vous conseille, permet magnifiquement.

De la muséographie, Chapitre II

2009-01-27T13:24:00.000-08:00

Suite de mes impressions londoniennes.

Visite mercredi de la British Gallery du Victoria and Albert Museum.

Cette galerie sur deux étages est consacrée aux arts décoratifs anglais, du XVIe à la toute fin du XIXe siècle.

Je ne vais pas parler de goût ici, ou de qualité des objets exposés, même si elle est certaine. Mais de ce qui sera un jour (j'espère) une partie de mon métier : la muséographie. J'en ai déjà parlé, et j'avais donné une "définition". J'ai pu, en allant en Angleterre, comparer deux approches. Et j'ai bien du me rendre à l'évidence : l'Angleterre est en avance, ô désespoir des chauvins !

Peu de monde dans la galerie avec moi, mais j'ai remarqué que les gens qui y étaient y restaient longtemps, prenaient leur temps, traînaient, écoutaient, lisaient, regardaient...

En effet, tout est présent ici : non seulement on peut y voir, mais on peut y entendre, et on peut y toucher ! Des systèmes d'écouteurs permettent d'écouter de la musique des instruments exposés, où des commentaires de professionnels sur telle ou telle period room, il y a des échantillons de matières, tissus ou essences de bois, il y a des écrans tactiles où chacun peut créer son motif d'indienne (toile de coton imprimée), ou lire des informations... (Voir les photos de médiocre qualité que j'ai prises). On peut s'y asseoir, ce qui est une des conditions d'une bonne visite. Il y a une salle de projection avec des films sur différents thèmes liés aux arts décoratifs et au goût anglais à travers les siècles.

Les informations sont de qualité, claires, simples, mais fournies pour qui veut en savoir beaucoup plus.

Et enfin, la British Gallery est la réalisation de tous mes idéaux muséographiques !! J'ai trouvé là tout mon musée imaginaire, mis en place exactement comme je le voudrais !

Tout d'abord, l'ensemble est chronologique, ce qui permet de découvrir les évolutions et de comparer (la comparaison est une des pierres angulaires de la muséographie telle qu'on la conçoit de nos jours). on avance dans le temps en découvrant différents aspects. Puis il n'y a pas ici que des meubles, il y a des objets, des peintures, des costumes, des reconstitutions, des instruments de musique... La vision est globale, pluridisciplinaire, complète !

J'y suis retournée le lendemain, pour vérifier si je n'avais pas rêvé mon musée parfait, mais la galerie était toujours là, et je vous la conseille chaudement !

Un sentiment anglais

2009-01-27T12:57:00.000-08:00

Séjour de 5 jours à Londres. J'en rentre avec tant d'impressions, d'idées, d'images...
Échantillon de sensations :
J'ai été dans 3 musées, et cette histoire de gratuité de tous les musées donne une sensation étrange de liberté et de démocratie. Ce n'est pas tant de ne pas payer (étant étudiante en art, je ne paie jamais mes entrées dans les musées), mais c'est d'entrer librement. Il n'y a pas de contrôle, pas de passage obligé, chacun vient passer un moment ici où là, discuter, se poser, voir une ou deux oeuvres, ou passer la journée. Mais on s'y sent chez soi, on n'y est pas impressionné, on n'a pas peur d'entrer, d'avancer... Ce qui est loin d'être le cas au Louvre, ou à Orsay, ces "monstres", si riches mais si intimidants !
Ici, cette liberté si simple qui nous est offerte m'a donnée l'impression que les oeuvres sont une propriété de tous, un bien commun à l'humanité que chacun a le droit de partager. Un sentiment d'universel... Simplement de faire partie de cette communauté d'humains qui créent et admirent, qui aiment ou n'aiment pas ! Je ne veux pas paraître sentimentale ou trop idéaliste, et ces ressentis dont je parle ne sont pas venus instantanément durant mes visites. Mais petit à petit, je me suis sentie incroyablement à l'aise à la Tate Modern, au Victoria and Albert Museum ou à la National Gallery, libre d'entrer et de sortir, de revenir ou pas, de ne faire que passer ou de rester deux heures devant "Evening Star" de Turner, de me perdre dans les salles et les couloirs, et de me retrouver en voyant un Sisley ou un Kandinsky...
Une belle expérience, car contrairement à ce que mon cursus pourrait faire croire, je ne me sens que très rarement à l'aise dans les musées, et si j'ai un plaisir immense et insatiable à regarder du beau, cela ne suffit pas...
Mais mon aventure anglaise m'a confirmée qu'un musée peut être une "home sweet home", mais un "home sweet home" commun à tous !

Question de style

2008-12-21T07:33:00.000-08:00

Qu'est-ce que le style ?

Cette question me trotte dans l'esprit depuis près de deux semaines maintenant, et j'avoue rester perplexe. Comment le définir ? Comment le mesurer ? Le style peut-il s'apprendre ?
Bien sûr le mot style peut s'appliquer à de nombreuses choses : une peinture, un vêtement, un texte, une manière d'être...
Mais je pose ici la question du style littéraire. A mes questions, le Petit Robert répond d'une façon complexe : "Aspect de l'expression littéraire, dû à la mise en oeuvre de moyens d'expressions donc le choix résulte, dans le conception classique, des conditions du sujet et du genre, et dans la conception moderne, de la réaction personnelle de l'auteur en situation". Passons sur la conception classique, car la notion de genre est de moins en moins d'actualité. Mais intéressons-nous à la conception moderne : mise en oeuvre d'expressions dont le choix résulte de la réaction personnelle de l'auteur en situation. Totale relativité ici. Aucune règle, aucune norme. Donc je n'avance pas dans la résolution de mon problème.

Comment savoir si quelqu'un a "du style" ou non ? Peut être au fait qu'on peut reconnaître son écriture parmi d'autres. Mais si je peux reconnaître le style de Barbara Cartland, est-ce à dire qu'elle en a un ? Oui, chaque personne qui écrit a UN style. Mais avoir "DU style" est autre chose. Là encore, question de subjectivité et de relativité. Mais on peut s'accorder, au delà des question de goûts, à dire de certaines personnes qu'elles ont "du style". Balzac, Maupassant, Hugo, Cendrars, Duras, voilà du style ! Pour les grands auteurs, on s'accorde.
Mais l'accord naît surtout de l'idée que le style vient de la capacité à exprimer des idées personnelles. Valéry écrit : "le style est une question non de technique, mais de vision". Et Buffon : "Le style doit graver des pensées, ils [les écrivains qui n'ont pas de style] ne savent que tracer des paroles". Pour lui, le style se mesure par les "vérités qu'il présente".
Mais avec le développement actuel des médias, les journaux sur internet, les blogs, que penser ? Toute personne ayant des idées fondées a-t-elle du style ? Non, bien sûr. Mais alors quoi ?
Chateaubriand a écrit que le style, "c'est le don du ciel, c'est le talent". Si la vérité est dans cette phrase, les personnes ayant du style doivent se compter sur les doigts de quelques mains.
Mais j'en suis venue à penser que le style est quelque chose comme avoir une patte personnelle, une façon spéciale d'exprimer des idées, une caractéristique qui marque, qui donne à l'écriture son unicité. La notion d'unicité me semble d'ailleurs fondamentale. Bien sûr, qui sommes-nous pour en juger ? Mais une personne qui lit beaucoup, qui lit des choses très différentes, qui a une culture littéraire, doit pouvoir sentir du style quand elle en croise.
On a donc parlé du style comme fond, et comme forme. Le vrai est probablement dans la jonction des deux. Écrivez bien des choses insensées, ou écrivez mal des idées fortes, et le style n'y trouve pas son compte.

A la question de savoir si le style s'apprend, Valéry répond : "Cela ne s'acquiert pas, mais cela se développe". Si l'on suit Chateaubriand et Valéry, le style ne s'invente pas. On l'a ou on ne l'a pas. Et même si on l'a, cela ne suffit pas. Ça se travaille, ça se retouche, ça évolue. Pleurez si vous n'avez pas reçu le style en héritage !

Découvrir l'opinion de ces "grands", même ça ne m'a pas permis de trouver LA réponse, (et je doute qu'il y en ait une seule), m'a permis de comprendre un peu plus l'essence de cette chose insaisissable qu'est le style. Matière, façon de l'exprimer, don...
Mais je crois que le style est avant tout quelque chose à inventer personnellement et de façon indépendante, une voie à trouver... Et pour cela, je cite Jules Renard : "Le style, c'est l'oubli de tous les styles".

Burn after watching ?

2008-12-11T13:41:00.000-08:00

La semaine dernière, Burn after reading, la dernière production des frères Coen.
La première chose que je dois dire, c'est que j'ai ri... Beaucoup même. Et bien, d'un bon rire, provoqué par du vrai comique de situation ou de jeu. Et ça faisait longtemps que je n'avais pas tant ri, bien ri devant un film.
Burn after reading, c'est avant tout l'histoire de cinq paumés, des losers. Ils sont petits, ont des vies petites, sont enlaidis par leurs petites obsessions (chirurgie esthétique, sport, sexe, alcool...). Ils mentent, volent, font du chantage, tuent.
Ce "pitch" de départ est servi par une bande d'acteurs extraordinaires. On a beaucoup glosé sur le contre-emploi qui est fait de George Clooney et de Brad Pitt, mais ce n'est pas ça qui compte. Ce qui compte est leur talent. Ils ont su (et ils ont du beaucoup s'amuser en le faisant) rentrer complètement dans leurs rôles respectifs. Brad Pitt fait jeune et franchement con, Clooney fait ringard et lâche... Et la preuve de leur talent, c'est qu'ils ne sont pas attachants : même si on reconnaît Clooney, on ne l'estime pas, on ne l'apprécie pas, malgré qu'on en soit fan, et il en va de même avec les autres. Et quand il leur arrive quelque chose, on ne s'émeut pas.
Le talent des acteurs est donc un des grands atouts du film. Mais les frères Coen ne se sont pas contentés de réunir les meilleurs acteurs de leur carnet d'adresse. Par l'absurde, par le ridicule, ils ont su montrer les effets de la bêtise, de l'étroitesse d'esprit et de la peur sur des gens normaux. La normalité et l'anormalité sont d'ailleurs des sujets fondamentaux ici. Le film est un engrenage fou, une suite loufoque de rebondissements qui vont amener au drame.
Pas de beauté ici, pas de nobles sentiments, le sexe et l'intérêt guident tout et tous.
Une certaine cruauté donc, on rit de la bassesse des personnages, mais finalement, les frères Coen nous montrent là l'humanité dans toute sa (triste ?) réalité.

Hommage à Jean Aubin

2008-12-03T14:26:00.000-08:00

J'ai appris aujourd'hui le décès du peintre Jean Aubin.

Depuis que je suis toute petite, Jean Aubin a fait partie de mes vacances. Avec mes grands-parents, nous allions le voir dans sa maison près de Poitiers, il nous entraînait alors dans son atelier, au sous-sol, et, pendant que j'écoutais, émerveillée, nous parlait inlassablement, et passionnément de son travail.

Passionné, Jean Aubin l'était. Il était professeur d'arts plastiques, mais il a toujours créé.

Je me rappelle de certaines de ses "phases expérimentales" : il y a eu l'époque où il créait des cadres incroyables, en bois, mais avec des petits cachettes, des trappes à soulever, et derrière lesquelles on trouvait de petits poèmes de sa plume.

Ses aquarelles étaient captivantes de lumière et de finesse... Je pense par exemple à celle intitulée "Vouloir marcher pieds nus dans la rosée", qui n'était qu'une explosion de douces couleurs, et devant laquelle on sentait effectivement la rosée sous nos pieds...

Il était aussi un incroyable technicien, un inventeur. Il a fait des émaux, des sculptures...

Jean Aubin, c'était un bouillonnement permanent d'idées, une technique élaborée, une peinture drôle et belle, un humour infini (son tableau "Passerelle pour les anges aptères" m'a longtemps interrogé, et toujours fasciné), un rire trés communicatif, une gentillesse, une bonté, une volonté de partage...

Je le garderai toujours en mémoire, et ses deux aquarelles sur mes murs seront des hommages quotidiens à une trés belle personne...

Venise à Bâle

2008-12-02T14:39:00.000-08:00

Going to the Ball (San Martino), William Turner, 1846.

Samedi, expédition à Bâle, pour voir l'exposition "Venise" à la Fondation Beyeler.

L'expo thématique présente des oeuvres d'une douzaine de très grands peintres, sur le thème de la Sérénissime. Par salle, on découvre des chefs d'oeuvres de Canaletto, de Francesco Guardi, de Turner, de Monet, Manet, Renoir, Signac, Redon, Whistler, Sargent... En tout 150 oeuvres pour nous émerveiller et nous faire voyager.

Avant de commenter les oeuvres, je voudrais dire un mot de mon expérience suisse. J'ai en effet pu découvrir la "manière" suisse pour une grande expo telle que "Venise". J'ai d'abord remarqué la sobriété de la muséographie. Beaucoup de blanc, trés peu de salles peintes autrement, des cartels transparents, et chose plus surprenante pour la française que je suis, aucun texte sur les murs. Les textes sont sur un dépliant disponible à l'entrée. La notice est ciblée sur certaines oeuvres, d'autres sont absentes. Il n'y a pas vraiment d'explications sur le lien entre les oeuvres, ou sur le choix des artistes. Sobriété excessive ?

En tout cas, je dois dire que l'évolution de l'ensemble est réussie : on avance de façon fluide d'oeuvre en oeuvre, de période en période, de style en style. Et il y en a pour tous les goûts. Certains peuvent admirer la précision d'un Canaletto, d'autres la vie présente dans une vedute de Guardi, ou le fourmillement des toiles de Signac, la matière fabuleuse des oeuvres de Redon, la puissance évocative des eaux fortes de Whistler, ou enfin la vérité des personnages de Sargent...
Personnellement, j'ai été fascinée par Turner. Sa Salute dorée, ses visions fantomatiques de Venise, pourtant toujours bien présente derrière la brume... La ville disparait peu à peu, avec l'avancée du peintre dans son expérience picturale de réenchentement du monde. Ses vues deviennent de plus en plus absentes, mais paradoxalement, on ressent toujours plus la magie du lieu, son indicible évanescence... Ses aquarelles ont elles la modernité d'un Monet, et la fulgurance d'un Nolde. Leur légéreté leur donne une présence incroyable. Tout est paradoxal chez Turner, mais j'ai eu l'impression qu'il est celui qui, le mieux, a su capter le sens caché de cette ville si mystérieuse qu'est Venise. Il a compris que sa fragilité, et son inextricable constitution de trois éléments, air, terre et eau, lui donnent sa force et son unicité. Un Turner, c'est une ode à Venise !

Cette riche exposition a donc été un beau voyage dans la peinture, le temps, et l'espace...

Le Palais Contarini, Claude Monet, 1908.

A chaud : Stravinski sous la pyramide

2008-12-02T13:26:00.000-08:00

Expérience puissante ce soir au Louvre : Pierre Boulez a dirigé L'Oiseau de feu sous la pyramide.

Le chef d'orchestre connu mondialement a donc fait don de son temps et de son talent aux 2000 personnes assises par terre, sous le ciel parisien, avec l'orchestre de Paris sous sa direction.

L'impression de cette foule rassemblée pour de la musique classique, qui plus est pour une oeuvre un peu difficile, cette pyramide illuminée successivement de rouge, de jaune, de vert, tout ceci a conféré au concert une touche magique. Des jeunes, des moins jeunes, un bébé, qui a largement exprimé son opinion pendant le Premier tableau... Et puis Stravinski. Son oeuvre imagée, puissante... On sursaute à un enflement soudain de l'orchestre, à cette musique parfois brutale et primitive. Puis on s'attendrit sur une mélodie sinueuse pleine de douceur et d'élégance. Et quoi qu'il arrive, on frissonne.

Le souffle de la partition est parfaitement rendu par l'Orchestre de Paris, qui a joué avec justesse et subtilité. Boulez a bien su donné à son public la véritable dimension de cette oeuvre majeure, et pourtant premier ballet du jeune Stravinski. Il m'a semblé que la foule (moi comprise) a mis une bonne dizaine de minutes à rentrer dans l'oeuvre, car le vrai silence a mis ce temps à s'étendre. Mais une fois entrés dans l'atmosphère, nous avons tous vécu ces quelques minutes au rythme lumineux, drôle et vibrant de la musique de Stravinski.

La communion de tous ces gens, la présence de Boulez, les acclamations enthousiastes à la fin, et surtout surtout l'Oiseau de feu... Une soirée marquante, mais trop courte. On en redemande !

Le Génie de la Couleur au Musée d'Art Moderne

2008-11-22T16:39:00.000-08:00

La Plage à Sainte Adresse, 1906, collection privée.

Raoul Dufy s'expose pour la première fois dans une grande rétrospective parisienne au Musée d'art moderne de la Ville de Paris, jusqu'au 11 janvier.

L'exposition n'est peut être pas parfaite, et elle est un peu longue, mais elle a le grand mérite de rendre justice à son artiste. Elle montre très bien la diversité du talent de Dufy, peintre, aquarelliste, céramiste, dessinateur pour textiles, décorateur, graveur... Les différentes facettes de son talent sont toutes illustrées avec richesse.

L'expo est logiquement chronologique, et on comprend bien le côté systématiquement avant-gardiste de l'artiste : il fut successivement impressionniste, fauve, cézannien, quasi cubiste... Mais à chaque courant il a su apporter sa touche, son originalité. Son impressionnisme est gras, épais, et très vivement coloré. Son fauvisme n'a pas les mêmes thèmes que Vlaminck ou Matisse : il peint des scènes populaires dans des paysages. Et ces scènes ont toujours un côté naïf qui lui est propre. Par contre sa phase cézannienne est la plus pauvre, car il réduit sa palette aux trois couleurs du maître mais ne sait pas tirer partie des possibilités de la touche si caractéristique de Cézanne. Le résultat est une série de mauvais Cézanne.

En 1907, il collabore avec Apollinaire et illustre le Cortège d'Orphée. Le primitivisme de ses figures, et leur naïveté font de l'ouvrage un ensemble puissamment évocateur.

Puis sa rencontre en 1909 avec Paul Poiret est fondamentale : ils créent la Petite usine à Paris, où ils produisent des tissus imprimés en série. C'est le début d'une carrière pour Dufy : il crée entre 1910 et 1930 plus de 3000 modèles en gouache pour les lyonnais Bianchini et Férier.

Exemple de tissu crée à Lyon d'après une gouache de Dufy.

L'aquarelle est aussi un domaine où Dufy excelle, et ses aquarelles du Maroc et de Venise sont magnifiques, à la fois sobres et fouillées, à la fois classiques et "couleur locale".

Dufy, tout comme Picasso, se fait aussi un temps céramiste, et le résultat est comme le reste de son oeuvre : coloré et vivant. L'exposition s'organise ensuite par thèmes : l'atelier, le portrait, les natures mortes, la musique, les cargos noirs...

Elle est très et trop riche pour que je puisse parler de tout, mais ce qui se dégage de l'ensemble de l'oeuvre du peintre est une liberté géniale. Une liberté du trait d'abord, qui ne correspond jamais aux aplats de couleurs, ce qui est devenu sa marque : ses arabesques s'envolent librement hors des champs prévus, et donnent une impression de légèreté infinie. Une liberté de la couleur aussi : je n'ai jamais vu d'aussi beaux verts chez aucun autre peintre... Dans La Baie de Sainte Adresse, de 1906, qui fait partie de la collection Alain Delon (le veinard), la mer est d'un vert profond, turquoise, à la fois réel et surréaliste. Dufy a des verts acidulés, des oranges francs, des roses doux... Il est un coloriste surdoué, qui sait donner à chaque chose qu'il représente vie et gaieté.

Il sait créer un univers fou, florissant, vibrant, comme celui du tableau La Grille, ou celui de la Fée électricité, immense fresque du musée d'art moderne. On y retrouve un peu de Chagall, de Matisse, mais l'intense poésie qu'il confère à chaque oeuvre est sienne, elle est sa marque, sa signature et sa plus belle réussite...

Rock et Bourgeat

2008-11-21T13:47:00.001-08:00

Ici l'oeuvre de Bourgeat intitulée Rock'n Roll, de 1999, collection du Ministère de la Culture.
Et en face le dessin de Philippe Vuillemin sur l'oeuvre.

Lilian Bourgat au CCC

2008-11-21T12:47:00.000-08:00

Samedi après-midi, exposition Lilian Bourgeat au Centre de Création Contemporaine de Tours. Expo "Les encombrants, la suite".

Dans les grandes pièces du CCC sont dispersés des objets surdimensionnés : vous pouvez voir les chaises et la table géantes, mais il y aussi des rétroviseurs géants, des punaises géantes... Sur un rail circule une caméra qui tourne et retransmet en direct le film dans la dernière salle. Nous faisons donc partie de l'oeuvre. De plus, un masque à l'effigie de Lilian Bourgeat nous est distribué au début, afin que nous puissions voir l'expo "avec les yeux de l'artiste".

Peut être le savez vous mais je suis tout sauf une spécialiste de l'art contemporain. Devant un pot doré géant sur un socle de 20m de haut, je suis prise d'un sentiment d'incompréhension et souvent d'une bonne envie de rire. Il parait que je ne sais pas m'ouvrir assez à la nouveauté de ce genre d'oeuvres...

J'avoue qu'ici l'incompréhension m'a comme d'habitude saisie, mais qu'elle a vite été remplacée par d'autres sentiments : j'ai vite trouvé l'expo ludique, je n'étais pas intimidée comme je le suis normalement devant des oeuvres contemporaines, je me suis amusée...

J'ai mis mon masque, et j'ai déambulé entre un interrupteur de 5m sur 5, une ampoule géante, des dessins humoristiques de Vuillemin sur Bourgeat, et une superbe invention : l'oeuvre "Rock'n Roll", ou des guitares électriques forment les lettres du mot. On peut en jouer. On peut s'asseoir sur les chaises. C'est nous qui allumons l'ampoule géante en sautant sur l'interrupteur.

Les enfants qui étaient là avaient l'air de s'amuser encore plus que moi.

J'ai donc découvert ici une ambiance bien différente de celle de Beaubourg par exemple : l'oeuvre n'est pas sacrosainte, elle est à notre portée, elle se fait avec nous, grâce à nous, dans une interaction enrichissante. Un aspect de l'art contemporain que je ne connaissais pas et que je n'aurais jamais imaginé m'a donc frappé : l'accessibilité, la proximité, l'humour... Il était temps !

Reconstruire les Tuileries ?

2008-11-21T05:48:00.000-08:00

Si vous n'étiez pas au courant, il existe un Comité National pour la Reconstruction des Tuileries. J'ai parlé de la restitution de la grille royale à Versailles, et il semblerait que la "folie des restitutions", apparemment encouragée par les Monuments Historiques, ne s'arrête pas là...
Plusieurs personnalités se sont exprimées en faveur de cette reconstruction du Palais qui avait brûlé en partie pendant la Commune, et que la IIIe République fit achever de détruire, après s'être déjà posé la question de la reconstruction. L'architecte de la grille royale, Frédéric Didier, s'est dit favorable à un tel projet.
Mais certains détracteurs voient là une négation des sacrifices du peuple parisien pendant la Commune, et un symbole politique offensif.
Et en plus de toutes ces questions se posent celle fondamentale de l'effective reconstruction. Que reconstruire ? Faut-il recréer les Tuileries telles qu'elles existaient au XIXe siècle ? Faut-il élever un bâtiment moderne ? La question reste posée, et la réponse reste ouverte...
Pour plus de renseignements, voir le site : http://www.tuileries.fr/index.php

Sombre matin...

2008-11-21T05:25:00.000-08:00

J'ai relu récemment "Matin brun" de Franck Pavloff. C'est Cheyne qui publie depuis 1998 ce tout petit livre (10 pages, 1 euro) de Pavloff, grand humaniste, poète, photographe, et écrivain bulgare. L'ouvrage a été tiré à 1 200 000 exemplaires depuis 1998.

Matin brun, c'est l'histoire de deux copains qui vivent dans une époque trouble où l'Etat brun impose tous les jours de nouvelles et arbitraires lois.

Par indifférence, ou par flemme, ou par peur, ils acceptent tout. La facilité est de ne pas se poser de questions. Ils ne sont pourtant pas mauvais, collabos, ou autre chose. Ils sont juste là, et tentent de vivre le moins mal possible.

En quelques pages, en quelques lignes, Pavloff nous explique tout : la possibilité de la montée du nazisme en Allemagne, la position des collaborateurs en France... L'Etat brun voit tout en brun, mais la situation est applicable dans tout pays où l'arbitraire a un jour sévi. Pavloff ne diabolise personne, ne juge pas, mais ne justifie ni n'excuse rien non plus. Le livre est d'une puissance et d'une intelligence fulgurantes.

La leçon est simple : notre liberté est trop importante, trop précieuse pour qu'on se la laisse prendre. Il faut lutter chaque jour pour que chaque acquis de la liberté nous reste.

Un livre qui devrait être lu dans toutes les écoles de France et même du monde...

La Pompadour à Tours

2008-11-20T13:40:00.000-08:00

L'enlèvement d'Europe, 1750, Jean-Baptiste-Marie Pierre, Dallas Museum of Fine Arts.

J'ai vu samedi l'exposition "La volupté du goût, la peinture sous Mme de Pompadour", au musée des Beaux Arts de Tours.
Avant tout, il est intéressant de savoir qu'une importante partie des tableaux de l'expo viennent des musées de San Francisco, Minneapolis, Los Angeles, Cleveland... Ceci a été permis par l'existence d'une association, FRAME (French Regional American Museum Exchange), créée en 1999, et qui comprend des musées français et américains. Elle a pour but de faciliter les échanges de tableaux pour des expositions temporaires : "La volupté du goût" va partir en février pour Portland. Depuis sa création, FRAME a organisé 10 expositions majeures, et, en plus des 24 musées actuels, elle cherche à augmenter le nombre de ses associés, ce qui permettra l'intensification et l'augmentation de la qualité des échanges.
Il n'est pas besoin de souligner l'intérêt d'une telle association. La mondialisation atteint les arts et la traditionnelle complexité des échanges d'oeuvres est ici simplifiée. Et tout ceci au bénéfice des spectateurs. Se dire que dans quelques mois, des "portlandais" s'émerveilleront devant les mêmes tableaux que nous donne un sentiment d'appartenance au "village mondial"...
Quant à l'exposition elle-même, elle a ses qualités et ses défauts. Son principal défaut réside dans le fait que l'évolution de la peinture à cette époque, si elle est bien visible dans les oeuvres, n'est pas assez expliquée. Les raisons du retour au classicisme, à la rigueur et à la morale après la légèreté et la galanterie, ne sont pas claires dans les explications, et même plutôt absentes de celles-ci. On parle bien de Winckelman, mais sans expliquer son rôle et son impact.
De plus, on parle finalement assez peu de Mme de Pompadour tout au long des salles, à part une claire chronologie dans la première.

Ceci dit, il serait difficile d'avoir la dent dure contre l'expo, car si deux adjectifs peuvent bien la qualifier, ils seraient intelligente et plaisante.
La première et la plus grande qualité de l'ensemble est en effet son intelligence : elle donne à refléchir. Chaque oeuvre est acompagnée d'une citation d'un contemporain, soit une critique précise sur l'oeuvre, soit un commentaire général sur les arts à cette époque là. Mais ces commentaires sont toujours en parfaite adéquation avec les oeuvres. Et tout cela nous permet de nous inerroger sur tout ce qu'impliquent les choix des peintres, des commanditaires, sur le goût, sur le beau... Rareté d'une telle réflexion causée par une expo. On réfléchit, et on rit : Diderot à propos d'une oeuvre de Carle Vanloo dit que ça "vaut mieux que les minauderies, les afféteries et les culs rouges de Boucher".
J'ai aussi dit plaisant car le contenu n'a rien à envier à la conception : Lancret, nombreux Boucher, Vanloo, Hubert Robert, Fragonnard, Chardin, Vien, Pierre... Tout ceci se côtoie pour nous montrer le passage des fêtes galantes de Watteau, à l'austerité de Vien, en passant par la légèreté de Boucher. La beauté, l'élégance, la finesse de certaines oeuvres est frappante.

Je ne résiste pas à l'envie de vous montrer la plus exquise petite huile sur toile d'Hubert Robert dans sa période romaine. Elle date de 1761, fait à peine 30cm de côté, et vient de Williawstown.
Quoi de plus délicat, de plus drôle, de plus coquin, de plus vivant, de plus élégant que La Lingère et l'enfant...?

Citations pour le plaisir

2008-11-16T13:28:00.001-08:00

L'Emile, de Rousseau : "Le goût est naturel à tous les hommes, mais ils ne l'ont pas tous en même mesure. (...). La mode étouffe le goût; et l'on ne cherche plus ce qui plait, mais ce qui distingue".

Essai sur le goût, de Montesquieu : "Le goût (...) n'est autre chose que l'avantage de découvrir avec finesse et promptitude les moyens du plaisir que chaque chose donne aux hommmes".

Affiches à Pompidou

2008-11-16T12:36:00.000-08:00

Carrefour Sèvres-Montparnasse, 1961, Centre Pompidou.

Expo Villeglé mercredi au centre Georges Pompidou (jusqu'au 5 janvier).

Mon père étant affichiste aussi, je me suis trouvée assez pré-conditionnée en entrant : j'ai été immédiatement séduite par une très grande partie des oeuvres exposées (une centaine).

Mon objectivité est donc encore moindre ici qu'ailleurs.

L'exposition retrace l'évolution de l'artiste, des débuts avec Hains à l'alphabet socio-politique, en consacrant une salle à chaque "type" d'oeuvre : les toiles politiques, les toiles très abstraites, l'alphabet... Son film de 1974 est même visible. Le tout constitue une belle expo, sobre et claire, qui laisse assez d'espace aux oeuvres pour qu'elles s'expriment.

De l'ensemble se dégage à la fois une impression de richesse et de pauvreté. Malgré une certaine nouveauté avec l'alphabet, il a passé 50 ans à déchirer des affiches et à les maroufler sur toile en ne les modifiant que très peu. La question de la place de l'artiste se pose donc : n'est-il qu'un médium entre la matière et l'oeuvre ? N'a-t-il pas par définition un rôle de créateur ?

La place de Villeglé n'est-elle alors que celle d'un "révélateur", d'un sismographe comme dit l'expo, de la réalité de nos villes et de notre société contemporaine ? Mais même s'il n'est "que" cela, son oeuvre est majeure. Elle reflète, bien mieux que n'importe quelle autre, l'évolution d'une époque. La salle des oeuvres politiques est saisissante. Les toiles sont puissantes et remplies de sens.

Quant à ses oeuvres "abstraites", elles ont la présence d'un beau Rothko !

J'avoue que de salle en salle mon émerveillement a été continu. J'ai mis en haut le Carrefour Sèvres-Montparnasse, mais les Nymphéas, les Joueurs de jazz, le Boulevard St Martin et d'autres sont marquants de pureté et de vie. Du déchirement ne cessent de surgir des images, des couleurs, des épaisseurs qui sont là pour nous rappeler la profondeur de la ville, de sa complexité, tout en mettant en avant son aspect éphémère et changeant.

Une belle série de portraits de Paris !

La petite fille de Monsieur Claudel

2008-11-16T06:40:00.000-08:00

J'ai lu récemment La petite fille de Monsieur Linh, de Philippe Claudel, paru en 2005 chez Stock. Je l'ai lu en 2h, et si le suspens n'est pas vraiment présent dans le livre, je n'ai pu m'arrêter unefois que j'ai commencé.

L'histoire est volontairement floue : un vieil homme fuit son pays dévasté par la guerre. On se doute qu'il sagit du Viet Nam. Il a avec lui sa petite fille, rescapée d'un bombardement. C'est la seule chose qui lui reste. Dans le pays où ils sont réfugiés, Monsieur Linh et Sang-Diû rencontrent Monsieur Bark, qui vient de perdre sa femme.

Ils ne parlent pas la même langue, ils n'ont pas la même culture, mais le livre est l'histoire de leur amitié, intense et solide. Deux solitudes se rencontrent, deux coeurs brisés se reconstruisent à la chaleur de quelques mots échangés. Dans un monde gris, indéfini, une ville neutre, ils redonnent un peu de couleur à leurs vies.
L'épure de l'écriture n'a d'égale que la sobriété de l'histoire. Philippe Claudel ne s'embarasse pas de phrases inutiles. Il décrit horreur et joie avec la même simplicité et c'est sans doute cela qui évite à l'ensemble de tomber dans le pathos ou le cliché.
Si le livre est agréable à lire, on peut se demander si il a une réelle profondeur, une "utilité". Après m'être dit qu'il était un peu léger, trop léger, j'ai décidé de l'interpréter tel que je l'ai ressenti : une histoire simple qui plaide pour un peu d'humanité dans un monde où elle est trop rare.

Nymphéas à l'Orangerie

2008-11-12T13:50:00.000-08:00

Avec beaucoup de retard par rapport aux conseils pressants de mon père, je suis enfin allée voir les Nymphéas de Monet à l'Orangerie.

C'est Monet lui même qui avait choisi l'Orangerie pour ses nymphéas, en raison de sa situation, entre jardin et fleuve. C'était aussi lié à son théme de l'écoulement du temps.

Le peintre concevait cet espace d'exposition comme un lieu de recueillement, d'asile contre la folie de la ville et de l'époque, une retraite propice au ressourcement. En 1909, il parle de son "aquarium fleuri".

Et effectivement, l'impression recherchée dès l'origine est là. Dans deux pièces ovales s'étendent sous nos yeux 8 immenses toiles du début du siècle. On est frappé tour à tour par la somptuosité d'un bleu nuit, par un rêve rosé et brumeux, puis par un incendie de soleil couchant complétement abstrait, par une illusion violette... On est happé, on entre dans les toiles, chaque centimétre se révèle peu à peu à nos yeux éblouis par trop de beauté.

L'harmonie est parfaite ici, on s'envole, car le ciel est l'eau sont indissociables, mêlés jusque dans leur essence. On se perd aussi, et Monet parlait d'une "onde sans horizon et sans rivage". On voyage. L'errance du regard correspond à celle de notre pensée.

Ici, pas de bruit, pas de rage, pas de violence. Juste nous, et la nature, dans sa plus parfaite expression...

2008-11-12T13:20:00.000-08:00

Emil Nolde, Mer avec deux vapeurs et ciel de soir rouge, aquarelle de 1938.

Malgré la très mauvaise reproduction, évanescence et fulgurance de la mer et du ciel.

Cézanne nous accompagne

2008-10-24T06:15:00.000-07:00

On m'a signalé que je n'avais pas précisé de qui était l'aquarelle qui ouvre sur mon blog... Oubli regrettable auquel je remédie de suite.
C'est Cézanne qui a la place d'honneur de ce blog, avec une aquarelle avec mine de plomb intitulée "Château noir devant la montagne Sainte Victoire", et datée de 1890-95. C'est l'Albertina de Vienne qui a la chance de la conserver.
J'ai toujours aimé Cézanne, et c'est donc tout naturellement que son nom m'est venu à l'esprit quand j'ai cherché une image d'introduction à mon blog.
J'ai aimé la légèreté de cette aquarelle, où en quelques traits et avec son talent habituel, Cézanne nous fait voir, sentir et entendre la Provence...
Un petit bonheur pour les yeux à chaque visite, que demander de mieux ?

Aventure finlandaise...

2008-10-24T05:23:00.000-07:00

Je viens de finir "Le lièvre de Vatanen" d'Arto Paasilinna, roman finlandais de 1975, apparemment grand classique de la littérature nordique.

Vatanen est journaliste et un soir en rentrant à Helsinki, sa voiture heurte un levraut. Il part chercher l'animal blessé dans la forêt et finalement n'en ressort plus. Notre héros part, s'enfonce dans la nature avec son lièvre, son ami. Il rencontre des personnages incroyables, il lui arrive de belles ou dangereuses aventures durant son voyage sans but précis.
Le roman commence sur une rupture, mais une rupture inexpliquée, sans cause apparente : pourquoi Vatanen, journaliste dans un journal reconnu, marié, décide-t-il soudainement de retourner à la nature, de chercher la liberté ultime ?
De cette absence de sens de l'événement de départ va découler un roman quasiment absurde... L'écriture sobre et naïve renforce d'ailleurs cette impression. Le réalisme n'est pourtant pas absent ici, mais ce qui compte est différent : d'abord notre attachement au personnage. Sa simplicité, son incessante volonté de sauver les animaux, de se mettre dans des situations loufoques ou dangereuses, son goût pour les autres...
Ensuite, ce principe de roman écologique. J'ai été complètement emportée par le livre dans les contrées décrites (pourtant de façon très concise), j'ai même rêvé de la Finlande... Puissance d'évocation de l'esprit des lieux. On vit avec les saisons du pays, la nature est un personnage, une amie qu'il faut sauver, des flammes, des armes, du monde extérieur. Le lièvre a bien sûr une place importante dans cet aspect. Et même s'il n'a pas de nom (il s'appelle "le lièvre"), il est le symbole de cette nature chérie.
Enfin, une évocation de l'homme, de sa place dans la nature, mais aussi de sa liberté, de son libre arbitre, de la valeur de ses choix...
Le roman est léger, heureux, mais puissant dans ses idées. Un petit bonheur.

J'ai fait un rêve : j'étais une femme libre, voyageant dans de grandes étendues blanches avec un lièvre...

Polyphonies baltes et spirituelles

2008-10-19T06:25:00.000-07:00

Mardi soir, concert avec un ami au temple de l'Oratoire du Louvre.
Titre qui met en haleine : Arvo Pärt et autres polyphonies baltes...
Je connais Pärt, mais le choeur enchaine des oeuvres religieuses de Duruflé, Darzins, Pelecis, Miskinis, Dubra, Zarins, Esenvalds, Vasks, Tormis.... Noms assez barbares dont je ne savais même pas l'existence.
Et surprise : le concert entier est pour nous deux un émerveillement complet, continu, trop court.... !
L'ensemble invité est le Choeur académique d'Etat Latvija, letton donc, dirigé par son chef, Maris Sirmais. J'ai été éberluée par la perfection de ce choeur, par la totale symbiose qui existe entre les 40 choristes et leur chef : chacun de ses plus infimes mouvements est compris et exprimé par tous... et la gamme de variations est immense, on passe du plus léger murmure à une puissance sonore qui emplit toute l'église !
A côté de cette interprétation, les oeuvres étaient époustouflantes aussi. La progression était chronologique, et on a avancé doucement dans la dissonance...
Le Pater Noster de Miskinis, dont la formule est clamée de plus en plus fort par les choristes, m'a donné des frissons. Une telle brutalité dans la ferveur.
L'oeuvre de Peteris Vasks, ("Le message d'un paridé"), est elle aussi incroyable : quatre des choristes sont sur une tribune, deux sopranos sont sur le devant de la scène, et ces deux groupes et le reste du choeur se répondent. Cet échange est d'une pureté et d'une modernité qui rendrait croyant le plus convaincu des athés...
Et la dernière oeuvre, "La Malédiction sur le fer" de Tormis, nous a plongé dans la perplexité puis l'enthousiasme : un tambour rythme le tout de façon assez brutale, le choeur répond de façon toujours plus dissonante à deux ténors qui ne font que murmurer des phrases, et les choristes bougent, tournent la tête tous en même temps, ou ondulent, ou se retournent. Le résultat est saisissant, d'une puissance et d'un primitivisme qui lui donnent son authenticité, sa vérité, sa ferveur...
Une découverte, à continuer !

Debussy/Guimard

2008-09-19T03:22:00.002-07:00

J'ai assisté hier soir au concert de rentrée de l'Orchestre National de France, sous la direction de son nouveau chef d'orchestre, Daniele Gatti.

Ont été donnés Le Prélude à l'après-midi d'un faune et la Mer de Debussy, et le Sacre du printemps de Stravinsky. Je ne parlerai dans ce post que de Debussy.

Le Prélude à l'aprés-midi d'un faune m'a donné le sentiment, comme à chaque écoute, d'une création proche de la perfection. Bien que Daniele Gatti l'ait fait jouer dans une interprétation manquant un peu de nervosité, un peu trop fluide et facile, Debussy est un maître de l'harmonie, et on le ressent à chaque ondulation musicale.
La Mer fut plus vivante, mais pas encore tout à fait assez vibrante selon moi, et avec quelques légers couacs au début d'un mouvement.

Durant les deux morceaux, moi qui vis en ce moment au milieu de l'Art Nouveau, et qui suis dans une phase intensément guimardienne, je n'ai pu m'empêcher de noter les parallèles nombreux entre les deux artistes.

La villa Berthe, que je fais visiter, date de 1896. Le Prélude date de 1892-1894, et la Mer de 1903-1905. Les dates de création sont donc très proches. Et les deux artistes sont du côté du changement, de la modernité.

Guimard cherche à cette époque là à élaborer son style, mais certains éléments caractéristiques de son art sont déjà bien présents à la Villa Berthe. Par exemple, il hait la symétrie. Il joue sans cesse sur les habitudes visuelles du visiteur, il casse toute tradition, tout rythme que l'on croit acquis, il crée un nouveau langage architectural et décoratif, il brise une perspective, un angle... Son but est quasiment de nous provoquer, de nous faire réagir, de nous déséquilibrer, et, toujours avec une certaine délicatesse malgré tout, il joue avec les traditions et les habitudes.

Debussy agit de manière identique : il casse les harmonies traditionnelles, les habitudes musicales, les règles du beau en musique. Il brise tout pour créer un style nouveau, tout comme Guimard, un style où tout est réinventé, du rythme à l'harmonie en passant par l'organisation conventionnelle d'un morceau symphonique d'une telle ampleur. Il intitule la Mer "Trois esquisses symphoniques"... Chaque ondulation de la musique, chaque enflement de la puissance symphonique de l'orchestre sont une surprise, comme un tournant inattendu et brillant.

Et comment ne pas comparer les lignes courbes de Guimard qui courent sur toutes ses façades, et varient selon tous les matériaux, aux fluides et sinueuses mélodies de Debussy, variées selon chaque instrument et chaque rythme qu'il leur imprime ?

Deux artistes modernes, deux oeuvres contestées... On parle de "bizarre" pour définir les oeuvres de Guimard de cette époque là, voire même de "dérangé". On qualifie la Mer d'oeuvre "incompréhensible et sans grandeur".

Deux artistes modernes, deux oeuvres contestées, deux chefs-d'oeuvre... selon mon humble avis.

Relecture d'un classique : Bel-Ami, Maupassant

2008-09-19T03:22:00.001-07:00

J'ai relu la semaine dernière "Bel-Ami" de Maupassant.

Ma passion pour cet auteur remonte à loin maintenant, je crois l'avoir découvert avec ses nouvelles, qui se trouvaient en Pléiade dans les étagères de livres de mes parents... Et c'est encore élève au collège que j'ai dévoré quasiment tout le volume de nouvelles !

J'ai vite continué ma lecture passionnée, et j'ai découvert une première fois Bel-Ami. Le sentiment que j'en avais gardé est bien différent de celui que j'en ai aujourd'hui. Petite fille rêvant de vivre au XIXe siècle, j'en avais gardé le souvenir d'une initiation de jeune homme, avec lequel j'avais découvert le Paris galant, les femmes en belles robes, les aventures, les histoires d'amour, les descriptions du Paris noble et du Paris des boulevards...

J'en tire tout autre chose aujourd'hui.

J'ai été frappée par la dureté de l'oeuvre. Je ne me souvenais plus que la critique de Maupassant était si acérée. Le héros se révèle être un opportuniste de la pire espèce, un éternel insatisfait, brutal, rusé, mesquin...

Ce Rastignac moderne est prêt à tout. Les femmes ne sont pour lui qu'une voie pour arriver à ses fins. La petitesse est son trait de caractère principal. Il est veule, colérique et faible finalement.

Il est intéressant d'étudier un peu l'évolution de ce personnage. Au début de l'oeuvre, il est employé au bureau de chemin de fer du Nord. Il rêve doucement de son avenir, qu'il veut brillant. Le début de l'initiation est constitué par la rencontre d'un ancien ami, journaliste, qui va lui permettre de faire son entrée dans le monde.

Mais je crois que le déclic chez le personnage est autre. Le premier soir où il est invité à dîner chez son ami, en montant l'escalier de l'immeuble, il est tremblant d'incertitude. Puis en passant devant un miroir, il se dit bonsoir. Il ne s'est pas reconnu, et quand il finit par le faire, il s'extasie sur sa propre apparence. Et ce simple ambitieux devient en l'espace de quelques secondes un homme imbu de lui-même et prêt à tout.

A partir de là, Georges Duroy, alias Du Roy, alias Du Roy Du Cantel, se lance dans son aventure, collectionne les femmes, les problèmes d'argent, les succès. Il prend la place de son ami Charpentier, en épousant sa femme à sa mort, en prenant sa place au journal...

Les maîtresses ne sont pour lui que trophées, il les lâche aussi vite qu'il les reprend.

L'image des femmes n'est pas non plus brillante dans le roman. Elle se laissent utiliser, reviennent toujours vers leur bourreau, et sont faibles tellement elles aiment. Quelle image réduite ! Seule Madeleine, sa première épouse, est intelligente. Elle est celle qui a fait de lui ce qu'il est, elle l'a façonné. Mais il finit par l'écraser, comme toutes les autres.

J'ai gardé de ma lecture une sorte d'amertume. Rien bien sûr qui ne remette en cause ma conviction que Maupassant est un grand maître, dont l'écriture est tellement limpide, imagée, puissante, fluide, qu'elle disparaît et que seule l'histoire reste. Rien non plus qui me fasse regretter de m'être replongée dans cette fabuleuse description de Paris, de son milieu politique, journalistique, galant, culturel, économique...Tout cela est d'une vérité qui n'a pas manquée d'être notée par les contemporains. Le livre est publiée en 1885, et l'aventure se situe vers 1880. Le Paris haussmannien est là dans toute sa richesse, sa complexité, sa dureté, et sa beauté.

Je n'ai pas regretté tout cela, évidemment. Mais je me suis rendue compte de cette autre dimension de Maupassant, celle d'une critique de la société, une critique voilée, mais dure et pointue. Et je sais maintenant que relire un classique n'est pas juste un plaisir du souvenir, c'est aussi une découverte de toutes les facettes du talent de l'auteur que l'on n'avait pas forcément décelées la première fois...

Idée du blog...

2008-09-19T03:22:00.000-07:00

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